verbo ver # 2

Novo recomeço para o ver(bo) ver...

2008-11-04T16:10:00.001Z

2007-05-22T14:28:00.001Z

2007-05-19T19:19:00.001Z

Press Release

Possible

Acreditar naquilo que não podemos apreender
é mais real que aquilo que nós podemos apreender

Simone Weil

Curadoria
Ana Luísa Barão

Artistas
Ana Guedes
Ana Torrie
André Alves
Carla Capela
Carlos Pinheiro
Dinis Santos
Emanuel Santos
Marta Bernardes
Nuno de Sousa
Pascal Ferreira

Inauguração a 26 de Maio
19h-23h
Patente até 29 Julho 2007
Entrada gratuita

CAPC, Círculo de Artes Plásticas. Parque de Santa Cruz

de Terça a Sábado: das 14 às 19.00horas

tel. 239 401764 e-mail. capc@ip.pt

Para mais informações, por favor contactar Ana Luísa Barão através do e-mail analuisabarao@gmail.com ou tlm. 938563118.

_exposição

Os projectos apresentados resultam de uma proposta feita a nove artistas seleccionados pela comissária Ana Luísa Barão. Pretendia-se que desenvolvessem os seus projectos partindo da leitura do romance de Henrique Vila-Matas, História abreviada da literatura portátil e de ideias como o carácter portátil dos objectos, a sua transportabilidade, as noções de embalagem, invólucro ou caixa, a ideia de colecção ou do que é coleccionável, os mecanismos de fuga à realidade, o que é verdadeiro ou falso, a ficção, o efémero, o logro e a prova falsa, o acto fraudulento, etc.

Através da instalação, do vídeo, do desenho e da fotografia estes artistas exploram um universo em que a história é encarada enquanto construção de sucessivas ficções, onde o conceito de irrealidade se mescla com a factualidade ou a simulação.

Recorrendo a exageros e distorções lógico-linguísticas, só alguns indícios, por vezes dissimulados, ajudam a clarificar o verdadeiro sentido do expresso. Este jogo semântico é utilizado como estratégia de criação de não-sentido ou de um sentido-outro nos projectos de Nuno Sousa, Carlos Pinheiro, André Alves e Marta Bernardes/Dinis Santos. Numa diferente perspectiva, a ironia é usada como dispositivo de simulação, que no caso dos projectos apresentados por Carla Capela e Emanuel Santos, fazendo referências directas e indirectas a questões práticas do quotidiano, transformando o próprio espaço do objecto numa entidade passível de ser portátil. Nas instalações de Ana Guedes, Pascal Ferreira e Ana Torrie o espaço expositivo é sobretudo um lugar em que se acredita que apenas as coisas mínimas permitem uma vivência intensa e que tudo é simultaneamente susceptível de se tornar portátil, objecto de culto em potência, que pode ser escolhido, fabricado ou simulado, e nesse sentido coleccionável.

_obras

Ana Guedes
Portable cinemas advanced kit – Paradise Edition, 2007
Estrutura metálica, lona, carrinho de golf, e projector super 8 Super Cinexin
Carrinho de golf: 66x116x85
Estrutura: 100x100x300 cm

André Alves
Apaixonei-me por uma longínqua distância, 2007
Vídeo; 03'15"; cor, som.
Instalação (materiais diversos)
Dimensões variáveis;

Ana Torrie
Se bem me lembro..., 2007
Caneta, ecoline e tinta-da-china sobre papel
Dimensões variáveis

Carla Capela
Lugar de estacionamento portátil, 2006
Impressões a cores, tapete de borracha e Vespa pk de 1991.
Dimensões variáveis

Carla Capela
O meu Castelo de Areia, 2006
Impressões a cores, areia, contraplacado marítimo, dobradiças, fechos, cerâmica cozida
Dimensões variáveis

Carlos Pinheiro
Pensare, 2007
Grafite, papel
Dimensões variáveis.

Emanuel Santos
Vitrina portátil (biblioteca), 2006
Madeira, cartão, tinta acrílica
34x24x21,5 cm

Emanuel Santos
Vitrina portátil (galeria), 2006
Madeira, cartão, tinta acrílica
34x24x21,5 cm

Emanuel Santos
Vitrina portátil (filatélica), 2007
Madeira, cartão, tinta acrílica
34x24x21,5 cm

Emanuel Santos
Espaço cenográfico portátil, 2006
Madeira, tinta acrílica
32x20x20 cm

Marta Bernardes
S/título, 2006
Vídeo digital, Mini DV, DVD

Dinis Santos/ Marta Bernardes
S/título, 2005
Vídeo digital, Mini DV, DVD

Nuno de Sousa
Livro Aberto, 2006
Livro encadernado, plinto, 50 folhas arrancadas do livro; desenhos a tinta-da-china sobre papel
Livro (21,3x14,7 cm); Plinto (100x25 cm); 90 Desenhos (área total: 250x75 cm)

Pascal Ferreira
Tenho a certeza que maior parte das vezes fico para sempre perto de ti, 2006
MDF, Madeira Pinho, Metal, Resina de Poliuretano, Areia, Esmalte Forja.
90x160x70 cm

_biografias

Ana Guedes nasceu em Braga em 1981. Entre 1986 e 2001 frequentou o Conservatório de Música Calouste Gulbenkian, onde obteve o 8º Grau de Piano e o 3º de Violoncelo. Licenciou-se em Artes Plásticas – Escultura pela FBAUP em 2004. Entre 2003 e 2004 frequentou, enquanto bolseira Erasmus, a FBA da Universidade de Barcelona. Entre 2004 e 2005 frequentou também aulas de piano na Escola de Jazz do Porto. Desde Outubro de 2005, frequenta o Mestrado de Artes Visuais – Intermédia na Universidade de Évora onde apresentará tese orientada por Pedro Portugal. Participou em vários Workshops: Improvisação orientado por Óscar Marcelino da Graça no Conservatório de Música Calouste Gulbenkian de Braga (2004); Workshop de História do Jazz orientado por José Carlos Santos, na Associação Cultural “Velha-a-Branca”, Braga (2004); Workshop “One Minute Sound”, orientado por André Neto no âmbito do Ovarvídeo – 11º Festival de Vídeo de Ovar (2006). Participou em várias Exposições: “Contra os Péssimos Hábitos” dos alunos do 3º ano de Escultura no Espaço de Intervenção Cultural “Maus Hábitos”, Porto (2002); “Transfigurações – por uma narrativa autoreferencial”, Museu da FBAUP (2004); “Blue Screen” na Galeria do Palácio de Cristal, Porto, (2005) e em “Narrativas” na Galeria Sete, Coimbra, (2006).

Ana Torrie nasceu no Porto em 1982. É aluna finalista do curso Artes Plásticas - Escultura da FBAUP. É membro do colectivo artístico “Senhorio”, onde tem participado e editado em grupo e individualmente vários fanzines que abordam a área do desenho, BD e ilustração: “C(r)oquete”, “Busto” , “Álbum de família”. Participou também nas exposições organizadas pelo Senhorio: “Pintado à mão”, Senhorio, Porto (2005); “Menino da lágrima”, Artes em Partes, Porto, (2005). É membro do grupo de intercâmbio cultural “Identidades” desde 2004.

André Alves nasceu em Gaia em 1981. Licenciou-se em Artes Plásticas – Pintura pela FBAUP em 2005 e frequenta o Mestrado em Ensino das Artes Visuais (FPCEUP/FBAUP). Premiado para o programa "6 th Artist in Residence" no espaço artístico Hotel Mariakapel (2006) e "gARBa – Young artists in residence in Basilicata" em Montescaglioso (2004). Foi membro do grupo de intercâmbio cultural "Identidades" entre 2002 e 2005. É membro do colectivo artístico "Senhorio", onde tem participado e editado em grupo vários fanzines que abordam as áreas do desenho, BD e ilustração: "Pingue", "Busto", "Mister". Das exposições em que participou destaca: "O estado novo que é o antigo" na Reflexus Arte Contemporânea (2007) "Coisa, controlada pelo medo de Identificação" no In.Transit, um project room de Paulo Mendes (2007); "Como ser Invisível" no Museu da Sociedade Martins Sarmento (2006); "Different Places" no Westfries Museum, Hoorn (2006); "All my independent Women I, II & III" uma colecção de trabalhos feministas comissariada por Carla Cruz, em Guimarães, Braga e Lisboa (2005/06); "Aunt Nell Gis" na Kunstvlaai 06 (2006); "3 Large Drawings" no Hotel Mariakapel (2006); "Pintado à mão" no Senhorio (2005); "Fechado, 27 Artistas, Uma Casa a Demolir" e "Projectos Transportados" no Laboratório das Artes (2005).

Carla Capela nasceu em Espinho em 1980. Licenciou-se em Artes Plásticas – Escultura pela FBAUP em 2004. Entre 2003 e 2004 frequentou, enquanto bolseira Erasmus, a Faculdade de Belas Artes da Universidade de Barcelona. Participou em vários Workshops: Workshop de Animação promovido pelo Cinenima, Espinho, (1995); Workshop internacional de Escultura “Statique/Mobile” em St. Hippolyte du Fort, França (2004). Participou em várias Exposições: “Contra os Péssimos Hábitos” no Espaço de Intervenção Cultural “Maus Hábitos”, Porto, (2002); “Rebuçado” em parceria com Christopher King e Tommy Tang na “Papabubble”em Barcelona, Espanha, (2004); “Transfigurações – por uma narrativa autoreferencial” no Museu da FBAUP, (2004); “Mns Ideias no Lugar” no Museu Nogueira da Silva, Braga, (2004); “Statique/Mobile” em St. Hippolyte du Fort, França, (2004); “Unsupportable reality” na Galeria “Meno Parkas” em Kaunas, Lituânia (2004); “Olhar pró Boneco” no Espaço de Intervenção Cultural “Maus Hábitos”, Porto, (2005); “Entre o Corpo” na Galeria Sete, Coimbra, (2006) e “Sr. Cavaleiro Andante” no Espaço de Intervenção Cultural “Maus Hábitos”, Porto (2006).

Carlos Pinheiro nasceu no Porto em 1981. Licenciou-se em Artes Plásticas – Escultura pela FBAUP em 2004. Foi membro do grupo de intercâmbio cultural “Identidades” entre 2000 e 2004 onde organizou e participou em várias exposições, workshops e intervenções em espaço público em Moçambique, Cabo Verde, Brasil e Portugal. Em 2005 e 2006 realizou em parceria com Mónica Faria a cenografia e figurinos para “A Festa de Spiro Scimone” e “Antskupananabra, Sketches de Karl Valentim” na Companhia Teatral Comédias do Minho. É membro fundador do colectivo artístico “Senhorio”, onde tem participado e editado em grupo e individualmente vários fanzines que abordam as áreas do desenho, BD e ilustração: “Barba”, “Pingue”, “Busto”, “A Fome Faz Sair o Lobo do Mato”, “- Não me contes o fim. - Eles morrem todos!”. Trabalha actualmente com a Galeria MCO Arte Contemporânea. Participou em várias exposições com destaque para: “Espaço de Liberdade Experimental”, trabalho colectivo realizado no âmbito da exposição Outros Lugares, FBAUP/FDUP, FDUP. (2004); “Pintado à Mão”, Exposição de Sócios do Senhorio. Senhorio, Porto, (2005); “Salvia Oficinallis”, exposição realizada em conjunto com Marta Bernardes. MCO Arte Contemporânea, espaço Living Room, Porto. (2005); “A Pattern of Isllands”, exposição integrada na colectiva “Olhar para o Boneco”. Maus Hábitos, Porto, (2005); “Ocelos”, SMUSEUM, MCO Arte Contemporânea, Porto, (2006); “Wall Paper”, exposição Colectiva de Desenho no espaço Stock Hause, MCO Arte Contemporânea. Porto, (2006).

Emanuel Santos nasceu no Porto, em 1980. Licenciou-se em Artes Plásticas – Escultura na FBAUP, (2006). É membro fundador da Associação Cultural “Senhorio”, formada em 2004, e que funciona como espaço de reflexão, concretização e divulgação de práticas artísticas. Integra o Grupo de Teatro da Faculdade de Belas Artes do Porto desde 2001, onde actualmente desempenha os cargos de Encenador/Actor/Cenógrafo. Participou em várias exposições colectivas: Exposição colectiva de Escultura, Espaço Maus Hábitos, Porto (2002); “Outros Lugares”, na Faculdade de Direito (FDUP), Porto, (2004); “O menino da lágrima”, “Senhorio”, Porto (2005).

Dinis Santos nasceu em São João da Madeira em 1983. Frequenta actualmente o 5º ano de Pintura da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Realizou vários workshops e trabalhou como assistente de montagem na Fundação de Serralves.

Marta Bernardes nasceu no Porto em 1983. Licenciou-se em Artes Plásticas – Pintura na FBAUP em 2006. Nesse âmbito desenvolver vários projectos que variam entre o desenho, a acção, a performance, e o objecto. Tem desenvolvido várias actividades no âmbito das artes performativas e da música: performance de António Preto e Catarina Felgueiras no Siloauto (Porto) no contexto do ”Danças na Cidade”, Nec, em colaboração com João Sousa Cardoso (2004); integrou o grupo de poesia Gaixa Geral de Despojos apresentando recitais no teatro do Campo Alegre e nos jardins do Palácio de Cristal (2004). Pertence ao colectivo “Senhorio” onde participa como co-fundadora e colaboradora nos Fanzines: “Barba”, “Pingue”, ”Croquette”, “Busto”. Integra o projecto de cancionetismo “ Senhor Doutor “ juntamente com Nuno Sousa, Sérgio Martins, Rui Lima, Ana Ulisses e Sérgio Seabra, cujas últimas aparições aconteceram respectivamente no espaço Maus Hábitos, no âmbito do encerramento da exposição "Olhar para o boneco" apresentando o espectáculo " Recital em si próprio" (2004) e no espaço 555 apresentando “Recital em dó mino” (2005). O “Senhor Doutor” apresentou ainda o espectáculo “Recital em lá longe” no espaço Passos Manuel, Porto, (2006). Participou em várias exposições “100 desenhos: Fricção, Impressão, Diluição”, Maus Hábitos / Corpus Christi, Vila Nova de Gaia; “Living Room” da Galeria MCO (2005); “ Salvia - Officinallis” em parceria com Nuno Sousa na MCO, (2005); “Menino da lágrima”, Espaço Artes em Partes, Porto, (2005); “Pintado à mão”, Senhorio, Porto, (2005); Espectáculo multimédia “SONO” no Auditório do Museu de Serralves, Porto, Programa paralelo à Exposição “ Caminho do Leve” de E. M. Melo e Castro; Performance “Díptico” com Mónica Faria e António Preto no “Serralves em Festa”, 2006 e finalmente a performance “Sacrifício de verdade” e o vídeo “Ocidente”Galeria MCO, Porto (2006).

Nuno de Sousa licenciou-se Artes Plásticas – Escultura pela FBAUP (2006). É membro co-fundador do colectivo artístico “Senhorio” desde 2004, no qual tem participado na produção e publicação de vários fanzines ligados à área do desenho, BD e ilustração. Integra como compositor, letrista e intérprete os projectos musicais “Stowaways” e “Sr. Doutor”, contando já com diversas actuações nacionais nomeadamente: concertos transmitidos em directo para a Antena 3 e Sic Radical; participação nos Festivais de Verão de Vilar de Mouros e Paredes de Coura, Festival do Tejo, Festival de Pedrógão Grande, Festival de Carviçais; concertos em várias salas de espectáculos, com destaque para Teatro Sá da Bandeira – Porto, Teatro Campo Alegre – Porto, Café Concerto do Teatro Rivoli – Porto (integrado no Festival Fantasporto 2004), Tertúlia Castelense – Castelo da Maia, Cinema Passos Manuel – Porto, Hard Club - Gaia, B Flato – Matosinhos, Espaço Maus Hábitos – Porto, Casa das Artes – Arcos de Valdevez, Casa das Artes – Famalicão, Santiago Alquimista – Lisboa, Espaço Clinic – Alcobaça, entre outros. Participou em várias Exposições: “Outros Lugares - FBAUP/FDUP”, com o trabalho “Espaço de Liberdade Experimental”, Faculdade de Direito da Universidade do Porto, Porto, (2004); “MNS ideias no lugar”, Museu Nogueira da Silva, Braga, (2004) “Olhar P’ró Boneco”, trabalho “As cartas não coram”, Espaço Maus Hábitos, Porto, (2005); “Inclinações Territoriais”, MCO - galeria de arte contemporânea, Sala “Chez Duchamp”, Porto (2005); “Pintado à mão” , Espaço “Senhorio”, Porto, (2005).

Pascal Ferreira nasceu em Paris em 1971. Vive e trabalha na cidade do Porto. Licenciou-se em Artes Plásticas – Escultura, pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, em 1996. Actualmente lecciona, como assistente do Departamento de Escultura, nesta mesma faculdade. Participou em várias exposições individuais: “Como é bom Cagar no Campo: férias no Alentejo” e “S. Pascalino”. Galeria EXTERIL, Porto, (2002); Projecto “Estarrecidos, Esbugalhados e afins...”: contacto nº1 – “O apalermado”. Galeria EXTERIL, Projecto “Mais Hábitos”, CASA das ARTES, Porto, (2003); Projecto “Estarrecidos, Esbugalhados e afins...”: contacto nº 2. Galeria Exteril, Porto. (2003); Projecto “Estarrecidos, Esbugalhados e afins...”: contacto nº5 – “Fostes tu?!”. Evento “15 minutos de FAMA”, Galeria Exteril, Porto. (2005); “Tudo sobre roda...”. Galeria VPF cream arte, Lisboa, (2006) e “Quem vai ao ar perde o lugar...”. Projecto “Show Cage”, Papelaria Papélia. Porto, (2006). Participou igualmente em várias exposições colectivas com destaque para: Projecto “Pascalito” – história nº1: “esta é uma história, uma história do Pascalito que era dono de uma Sucata”. Espaço Maus Hábitos, Porto (2001); “Se fores realmente amigo, não mexes no botão!..., uma história que fala de um menino que vai salvar...”. Projecto “Fictional Buzzing”, Espaço Artmosferas, Porto, (2001); Projecto “Pascalito” – história nº2: “esta é mais uma história, a história da Menina do Regador”. Projecto “In.Bloc”, Espaço Maus Hábitos, Porto, (2001); Projecto “Estarrecidos, Esbugalhados e afins...”: contacto nº0 – “Macaquinhos do Sótão”. Espaço Maus Hábitos, Porto (2002); Projecto “Pascalito” – história nº3: “projecto para uma Vida Simples”. Espaço Maus Hábitos, Porto. (2003) e Projecto “Estarrecidos, Esbugalhados e afins...”: contacto nº3 e 4. Projecto ”Olhar pró boneco”, Espaço Maus Hábitos, Porto, (2005).

2007-05-19T16:30:00.000Z

Possible - Círculo de Artes Plásticas de Coimbra [CAPC]

3+3 na Galeria Sete - Coimbra

2006-12-28T13:59:00.000Z

A GALERIA SETE inaugurou no dia 16 de Dezembro a exposição “3+3”, apresentando propostas distintas para cada um dos pisos da galeria.

No primeiro piso podem ser vistas obras de três artistas que expõem neste espaço pela segunda vez: Célia Domingues, Miguelangelo Veiga e Pedro Falcão. Da instalação ao vídeo, da pintura ao desenho, exploram-se conteúdos tão distintos como as relações de género ou as fronteiras híbridas entre o desenho e a pintura, expressas num imaginário em torno da paisagem urbana e suburbana e de universos de energias não controladas.

No piso inferior, o projecto de intervenção artística “Ficha Tripla” pretende interagir com o público e com o espaço expositivo. João Galrão, Pauliana Valente Pimentel e Susana Guardado exploram o conceito de “Evento Social”, os seus significados e as suas fronteiras com a arte, integrando uma performance musical ligada às novas tecnologias, escultura e fotografia.

Célia Domingues

Strategie de la Rupture. Ditos e Interditos de um Divórcio,
2006
Canas, rolhas, câmaras de ar, vidro, papel, madeira
45 x 220 x 190 cm

“O tema do divórcio é áspero, tem arestas. Sugere mal-estar, sofrimento. Representa o oposto da ideia positiva associada ao enamoramento e à paixão. Significa o fim de uma promessa, de um projecto, da partilha de um ciclo de vida”.
Anália Cardoso Torres

“Cortar amarras. Uma tentativa de compreensão da realidade”

Casamento, compromisso, acordo, união, partilha, divórcio, ruptura, irresponsabilidade, falha, desunião são alguns dos conceitos explorados por Anália Cardoso Torres no livro “Divórcio em Portugal, Ditos e Interditos: uma Análise Sociológica”e que serviram de ponto de partida para o projecto “Strategie de la Rupture. Ditos e Interditos de um Divórcio” de Célia Domingues. Ao longo da investigação, a socióloga foi realçando o papel dos silêncios, daquilo que não se diz e que designa de zonas opacas, em que cada uma das partes encerra os momentos que se prefere não partilhar. Estes interditos ou zonas cinzentas em que não existe a claridade dos factos são espaços circunscritos onde se aglutinam sentimentos opostos e se encobrem angústias. Esta noção de silêncio auto-incutido assume na instalação de Célia Domingues o formato de uma jangada unipessoal, nela só um dos dois se poderá sentar. Trata-se uma estrutura de sobrevivência para quem deseja começar da estaca zero. A jangada assume-se como suporte possível para a fuga. Sobre todo o processo, o espectador acede apenas ao título da instalação. A construção que daí poderá surgir conduzi-lo-á a analogias neo-românticas - a mensagem de amor que é lançada ao mar. Mas aqui, essas mensagens são privadas e estão sobre a jangada interditas ao olhar curioso. Não se tratam de supostas mensagens de amor, mas de elementos de esperança, neste momento inacessíveis para que um dia alguém possa perceber o que se passou.

Miguelangelo Veiga

Miguelangelo Veiga
2006
Grafite e tinta-da-china sobre papel

Encenado no espaço galeria como no seu próprio atelier Miguelangelo Veiga parte de formas, sombras e textos, fruto de investigação visual e literária para desenhar um percurso que o conduz às pinturas que apresenta como parte deste projecto. Texto e desenho assumem igual importância. Ambos funcionam como base da informação que conduz à pintura. O desenho é o processo, uma espécie de manual daquilo que é a pintura para Miguelangelo. A depuração surge depois, como fórmula de acessibilidade para quem observa a instalação. Um olhar atento detectará incorrecções de perspectiva que são intencionais e descontraídas. Para o autor, as formas correctas, as que seguem as leis da perspectiva ou quaisquer outras normas impositivas são um beco sem saída e é muito mais interessante desenvolver um percurso a partir de um suposto erro de observação, do que lidar com pretensas formas perfeitas. A desconstrução e descaracterização presente, parte do volume tridimensional para além da forma plana, num processo em si mesmo circular. Não se trata da representação de plantas, como à primeira vista poderá parecer, são antes apontamentos da planificação do interior dessas formas tridimensionais.

Pedro Falcão

Pedro Falcão ST18 (da série Expulsão de Energia), 2006

Tinta de água s/ tela
210 x 160 cm

Se nas pinturas anteriores de Pedro Falcão o espectador era confrontado com um ambiente arquitectónico, formalmente minimalista, uma observação mais atenta conduzia ao reconhecimento da existência de pormenores construtivos que o autor identificava com letras do alfabeto. Nesse caso, os títulos das obras podiam ajudar a fazer a leitura. Letterscape – Paisagem de Letras (da série KBT) é um bom exemplo. O carácter formal e o modo como se sobrepunham e interceptavam as letras pintadas numa mesma cor sobre o que aparentava ser uma linha de horizonte insinuava esse mesmo engano. O trabalho que agora apresenta é muito diferente desta geometria tipográfica rigorosamente delineada. A contenção a que este trabalho obrigava levou o artista e enveredar por uma diferente opção onde a explosão das energias, anteriormente contidas, é sobremodo visível. A linearidade deu lugar à sinuosidade irregular, o carácter plano das superfícies à rugosidade empastada dos materiais. As referências são as mesmas, mas a analogia surge agora de forma mais diluída.

Ficha Tripla
Susana Guardado/João Galrão e Pauliana Valente Pimentel

Ficha Tripla é um projecto que começou a desenhar-se há cerca de um ano, mas que apenas nesta exposição ganhou corpo. O elemento central é o conceito de happeninig que os três artistas com projectos distintos apresentam.

Pauliana Valente Pimentel

Pauliana Valente Pimentel
S/ título (da série Finalmente), 2006
Impressão digital sobre papel fotográfico
32 x 42 cm

Fotografa documental, apresenta com este projecto um olhar sobre a performance de travestis na discoteca Finalmente em Lisboa. À fotografa interessa não o lado decadente que esta actividade possa sugerir e que normalmente é explorado pelos média, mas o lado "bonito", glamouroso, o ritual da transformação. O contacto frequente com o meio levou-a a criar uma ligação de maior intimidade com algumas destas personagens. Esta relação de fascínio deu-lhe acesso não apenas ao palco, mas aos bastidores, à intimidade familiar e domestica, à sensibilidade, ao dia-a-dia, que fotografou sem saturar as personagens.

João Galrão

João Galrão
S/ título (da série Afterhours), 2006
Esferovite, gesso, gaze médica, massa mineral, plástico
(tampas e caricas), esmalte, verniz acrílico e luz
100 x 70 x 20 cm

Quando expôs individualmente pela última vez na Galeria Graça Brandão falei da dimensão discursiva das formas e que essa discursividade se prendia com o universo musical. Na exposição realizada em Vila Nova de Cerveira – After Hours em 2005, as peças de Galrão tinham ganho uma estridência psicadélica e a luz que reflectiam foi sincronizada ao ritmo de músicas seleccionadas pelo autor. Seguindo esta mesma linha de intervenção, João Galrão apresentou na Sete After Hours com a mesma estridência psicadélica que conjugou com a performance musical encenada por Susana Guardado.

Susana Guardado
(da série Sign your name across my heart), 2006
Chumbo e tecido
25 x 25 x 15 cm

O projecto de Susana Guardado mantém o observador, que aqui ganha estututo participativo, no universo da música. A performance musical que apresentou aglutinou todos os projectos presentes no piso -1 da Sete. Na sua instalação, os corações colocados sobre almofadas delicadamente reflecte a importância da música como um dos elementos essências da sua vivência. Neles foram gravados alguns dos títulos de músicas que marcaram a discografia do século XX: Summertime, Bang Bang, Edelweiss, etc.

Links com interesse:

http://www.joaogalrao.blogspot.com/

http://www.artecapital.net/criticas.php?critica=38

http://afrontamentos.multiply.com/

http://www.lightstalkers.org/paulianavalentepimentel

http://www.programacriatividade.gulbenkian.pt/arquivo_fotografia_detalhe.asp?id=pauliana_valente_pimentel&num=39&area=arquivo

www.myspace/paulianaphotographer.com

http://www.pedrofalcao.com/

Créditos Fotográficos

Todas as fotografias são da autoria de Ana Luísa Barão exceptuando
as fotografias de Pedro Falcão e "Slow motion" de João Galrão que foram cedidas pela Galeria Sete e
as fotografias da série "Finalmente" de Pauliana Valente Pimentel cedidas pela própria artista
as fotofrafias de Célia Domingues foram cedidas pela própria artista

O VERBO é dos Artistas / Filipe Figueiredo

2006-11-21T19:44:00.000Z

A reprodução de texto e imagens foi autorizada pelo fotográfo Filipe Figueiredo

Times of India_Holding Emotions é um projecto de fotografia de viagem que procura ser uma reflexão em torno dessa categoria fotográfica, numa tentativa de desconstrução do paradigma da imagem captada única e exclusivamente na experiência do lugar, inventando a possibilidade da sua captação a posteriori, num acto elíptico de revisitação do acto de viajar. O destino da viagem em causa é a India, mas poderia ser qualquer outro. A Viagem implica entrega, devoção, sagrado, liberdade, esforço, alienação. Na India encontro tudo isso! O processo utilizado recorre ao video como método primeiro da captação que, posteriormente, dá lugar à reanálise da experiência e consequente registo do frame significativo. Com o vídeo, registado sem outro pressuposto que não o da memória imediata, sem programa, sem missão, permito-me refazer a viagem, sempre, uma e outra vez. Com esse vídeo, torno, já longe, ao lugar original, à experiência primeira, ao mesmo tempo que a transponho. Faço-o, primeiro que tudo, através da memória das emoções que, a seu tempo, vai sendo contagiada pelo acto de rememorar, impregnada pelos odores, pela luz e pelos sons do lugar em que o faço. Entendo que a verdade da experiência está desde logo inquinada pela sua forma de arquivo, donde nunca há documento que não seja falso. Assim, consciente da natureza interpretativa, ficcional e subjectiva do acto fotográfico, permito-me reinventar, à distância, o registo gráfico da experiência. Sempre que olho os documentos aí produzidos, perscruto todo um mar de emoções - cheiros, luzes, sons - processadas ininterruptamente pela minha memória. Já no regresso, o primeiro olhar sobre o material videográfico produzido é duplamente o visionar de uma crónica anunciada e um acto germinal na construção da memória. Neste sentido, a análise cuidada da sequência vídeo e o processo de captação / retenção do frame significativo estabelecem uma clara analogia com o acto fotográfico in loco, ao mesmo tempo que o olhar sobre as imagens vai acrescentando e enriquecendo a memória e, por vezes, transformando-a, resultando daí, não raro, memórias que já pouco devem à experiência original. Em suma, o video é aqui entendido como matéria virgem visual sobre a qual se processa um novo acto fotográfico.

Mário Vitória - “SMVSEVM” na MCO (Porto)

2006-10-30T11:34:00.000Z

O desenho, instrumento base deste projecto, gerador do imaginário que caracteriza as pinturas e gravuras de Mário Vitória, é da ordem do metafísico e está muito próximo da narrativa dos contos populares – na referência constante à tradição, usos e costumes – da sátira político-social ou mesmo da caricatura.

As referências são múltiplas, mas os Caprichos de Goya são talvez os mais próximos. Atingir o mais profundo âmago humano, a sua ontologia, a essência primitiva, naquilo que torna o Homem indistinto do Ser animal, parece ser o principal objectivo do artista. A representação de animais domésticos, que ora se exprimem em emoções e gestos humanos, ora na sua condição de bestas sob a dominação humana, o significado dos gestos ou a expressividade dos olhares, levam o espectador ao universo imaginário da fábula, das metáforas e das alegorias. Nas fábulas os personagens são geralmente animais que reflectem uma lição moral. Aqui a mensagem tem também um fundo moralista e é sobretudo o testemunho de experiências autobiográficas e de uma imagética consequência de uma pesquisa pessoal.

A vitória da debilidade sobre a força, da benevolência sobre a esperteza, o eterno confronto entre o bem e o mal, tudo mascarado por uma subtil violência, pela hipocrisia, presunção ou mesquinhez, transformam estes desenhos em drama irónico.

Várias noções são aqui analisadas. O homem, as coisas, os animais são antíteses das suas próprias propriedades. Enganam pela sua aparente ingenuidade. O espaço que ocupam na composição dita uma hierarquia de possibilidades interpretativas e são parte integrante de uma cosmogonia cujos elementos revelam um profundo sincretismo visual. O significado, esse, apenas, em parte, poderá ser descoberto. Enquanto representação, este imaginário, revela um significado que está para além do que é aparente.

Quer os desenhos-pintura, quer as gravuras, descrevem micro-narrativas fruto da sobreposição de diferentes contextos, episódios e situações, cujo carácter aleatório se revela um lúdico jogo de percepções.

As histórias descritas graficamente representam um mundo real e ao mesmo tempo repleto de fingimentos. Os vários protagonistas são inseridos na composição, que funciona como uma espécie de proscénio, obedecendo a uma ordem sequencial de acontecimentos. O bestiário humano espelha simultaneamente humanidade e crueldade. É nesse espaço fragmentado que tudo se manifesta: desconfiança, ambiguidade, perplexidade, a verdade da realidade e da ficção.

Uma noção de espaço pouco profundo delimitado por um cenário indefinido onde pessoas, animais e objectos se justapõem, e no qual estabelecem redes simbólicas de relações, define a estrutura base das composições. O mesmo espírito preside nas gravuras, mas a sua reduzida dimensão e uma aparente simplificação narrativa elimina esse suporte, transformando-o num vácuo onde o representado parece errar espontaneamente. A centralidade compositiva dos desenhos-pintura é aqui substituída por uma dispersão do figurado.

O facto de não terem sido atribuídos quaisquer títulos a estes desenhos vem reforçar a ideia de uma autonomia interpretativa que qualquer nomeação destruiria e que a dimensão narrativa das imagens, por si só, potencia.

A inexistência de linhas que conduzam a uma leitura do enunciado levam o observador, a partir dos fragmentos figurativos, a delinear os contornos dum enredo que pode estar ou não próximo das intenções do artista. No entanto, a perfusão de elementos, aparentemente desconexos e dispersos na composição constitui um importante ponto de referência para a construção de possíveis analogias. É a composição que rege toda a panóplia de afinidades que os desenhos suscitam.

Tratam-se de narrativas, mas nelas não domina qualquer sequência linear, pelo contrário, a sensação de que o autor faz permanentes avanços e recuos, conduz-nos do fim para o princípio e deste para o final da história. Os retrocessos e avanços são permanentes e jamais consequentes. Em sentido figurado, as notas de rodapé, os complementos directos e indirectos fazem parte de um discurso que se pretende plural e nunca enumerado.

Outros Desenhos
Série
Um Universo de Vácuo Inquietante
[todas as fotofrafias foram cedidas pelo artista # Mário Vitória]

O VERBO é dos Artistas / Célia Domingues

2006-09-13T22:09:00.000Z

Célia Domingues nasceu em Évora em 1978. Em 1996 vai estudar Escultura para Lisboa na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa e quatro anos mais tarde inicia, em simultâneo, o Curso Avançado na Maumaus – Escola de Artes Visuais. Expõe com regularidade desde 2000, onde se salientam as participações em 2005 “Just what is it...#4” no Kunstraum Innsbruck em Innsbruck, ”Inéditos” na Casa Encendida em Madrid. Em 2006 “O Manicómio Doutor Heribaldo Raboso”, comissariado pelo colectivo 21/2 no Museu da Cidade em Lisboa, “Momentos de vídeo-arte português” inserido na Photoespña no Centro Cultural Conde Duque em Madrid e o “AC#10” comissariado pela Filipa Oliveira e Miguel Amado no Espaço AC em Lisboa. Em 2004 realiza uma residência na Casa de Velazquez em Madrid e expõe individualmente pela primeira vez em Lisboa, “Uma rede de Soluções”, comissariada por Luísa Soares de Oliveira, na sala Phaldata.

Tudo pela Pátria, 2002

Sobre o Projecto
O projecto parte de uma pesquisa em torno dos movimentos femininos criados durante a ditadura salazarista. Em 1937, fundada pela Organização das Mães pela Educação Nacional (OMEN), surge a Mocidade Portuguesa Feminina (M.P.F.), instituição que posteriormente se autonomiza e tem como objectivo a formação nacionalista das jovens. A sua meta é a educação das futuras mães da pátria, a mãe que será responsável pelo “Homem Novo”. A M.P.F. instala-se nas escolas, impondo a todas as jovens estudantes a inscrição e o respectivo pagamento de quota. Só em 1971 os centros da Mocidade Portuguesa Feminina se transformaram em “associações nacionais de juventude abertas à adesão nacional”. As militantes eram divididas por escalões de idade e entre as muitas vertentes formativas era possível encontrar o ensino das malhas, das rendas, dos bordados, do corte e da costura. Existiam também diversas publicações destinadas ao público feminino, entre as quais se destaca a “Lavores e Trabalhos Manuais”, dirigida a jovens estudantes, particularmente do ensino liceal. Aqui era possível encontrar mapas de lavores femininos e textos sobre os bordados tradicionais. Nesta instalação, a autora copia o desenho original de um tapete de Arraiolos, bordado pela sua tia na aldeia de São Gregório, em pleno Alentejo, e cria uma peça em esponja, onde reinterpreta o conceito do tradicional ‘Arraiolos’.

Título: “Tudo pela Pátria”
Ano: 2002
Dimensões: Tapete 0,02mX3mX4m, fotografias 0,2mX0,3m, mapas 0,8mX1m, área de instalação variável
Materiais: Tinta de água, esponja, fotografia, papel

nº4 interior izquierdo, 2002

Sobre o Projecto
Um trabalho centrado na casa onde a autora viveu durante a sua estada em Madrid, no âmbito do programa ‘Erasmus’. Esta é uma casa de uma mulher já idosa, espaço que incorpora o que no momento envolvia a pesquisa da autora: as relações entre os movimentos femininos de Portugal e Espanha. As imagens apresentadas são, em grande parte, tomadas de posições a que um comum visitante não poderia aceder. À medida que o espaço é mostrado em diapositivos, uma gravação áudio conta o que se ficciona sobre a vida da dona desta casa. Esta ficção é inspirada em relatos (escritos ou orais) de mulheres portuguesas e espanholas.

Tìtulo: “Nº4 Interior Izquierdo”
Ano: 2002
Dimensões: Área de instalação variável
Materiais: Diapositivos e gravação áudio

S/t, 2002

Sobre o Projecto
Uma viagem que começa em Lisboa rumo ao sul do País, Évora, local onde a família da autora se reúne para mais um almoço. Neste simples encontro de família, as pessoas organizam-se por sexo e idade. Toda esta acção acompanha um outro acontecimento apresentado em texto, no qual é descrito um episódio histórico que teve lugar no Parque Eduardo VII, em Lisboa: a primeira tentativa de revolução feminina do pós 25 de Abril. Nesta tentativa fracassada, três mulheres – as protagonistas – tentaram queimar vassouras, panos do pó e soutiens, símbolos de opressão feminina a que queriam pôr fim. Com muitos homens presentes no local, a manifestação terminou sem que fossem cumpridos os objectivos: perseguidas pelos espectadores masculinos que gritavam “Dispam-nas, dispam-nas”, às mulheres nada mais restou além da fuga.

Título: “Sem Título”
Ano: 2002
Materiais: DVD

Código de seabra, 2003

Sobre o Projecto
O Código de Seabra era o Código Civil Napoleónico de 1867, que na sua legislação discriminava a mulher em “razão do sexo” e “em razão da família”. Em 1910 sofreu pequenas alterações, benéficas para a mulher, mas na entrada do novo Código Civil, em 1939, tudo o que tinha sido suprimido, regressa. Segundo o Código de Seabra, a esposa devia prestar obediência ao marido. A separação do casal só era possível no caso de “adultério da mulher”. Contudo, para o homem, só em caso de “adultério do marido com escândalo público” seria admitida essa hipótese. Este decreto foi abolido pela Lei do Divórcio, em 1910, mas em 1935, por forte imposição de deputados católicos, o divórcio deixa de ser possível por mútuo acordo e volta a entrar em vigor a lei segundo a qual o divórcio era concedido apenas em função do adultério (no caso do homem só com escândalo público). O retrocesso imposto pelo regime salazarista reintroduziu no Código Civil de 1939 o humilhante poder concebido ao marido de requerer judicialmente a mulher, o que implicava que se a mulher fugisse de casa, o marido podia exigir junto da polícia que esta lhe fosse entregue/restituída, como um objecto. Esta lei só foi abolida em 1967. Nesta instalação, são apresentadas quatro projecções de slides, cada uma delas com uma sequência de imagens. Na primeira, a autora dá a ver uma série de fotografias do seu álbum pessoal, imagens que ilustram momentos vividos em família, na antiga casa da sua bisavó, numa pequena aldeia do Alentejo, bem como o casamento dos seus pais, realizado em Évora. Na projecção seguinte, a autora apresenta fotografias da mesma casa da sua bisavó, mas agora captada no presente (2003 é o ano da realização dessas imagens). A terceira projecção apresenta fotografias do casamento de uma amiga, em 2002. Por último – o único espaço exterior que se apresenta em toda a instalação – fotografias do local onde se encontra a casa da bisavó da autora: São Gregório, uma pequena aldeia no meio do Alentejo, quase deserta, com características semelhantes a grande parte das aldeias desta região.

Título: “Código de Seabra”
Ano: 2003
Dimensões: Área de instalação variável
Materiais: Slides e gravação áudio

Local de encontro, 2004

Sobre o Projecto
“Local de Encontro” surge no contexto do Euro 2004 e está inserido no projecto colectivo “Selecção Nacional”, no qual uma bola de futebol é o ponto de partida para todos os artistas convidados. A partir da ‘sua' bola de futebol, a autora concebeu um tabuleiro de xadrez onde as equipas são constituídas por figuras de açúcar. O tabuleiro é o ‘local de encontro’ onde o jogo é disputado e o ‘rei’ e a ‘rainha’ dirigem cada uma das equipas.

Titulo: “Local de encontro”
Ano: 2004
Dimensões: Variáveis
Materiais: Bola de futebol, tintas spray, bonecos de açúcar

Ama de Casa, 2004

Sobre o Projecto
Durante a ditadura salazarista e franquista nasceram em Portugal e Espanha organizações femininas que tinham como função educar as mulheres, as futuras mães da pátria. Dirigidas pelas respectivas elites femininas, enquadradas no contexto político que se vivia em cada um dos países, existe entre as organizações portuguesas e espanholas uma série de pontos em comum. Como exemplo, na informação dirigida ao público feminino, em Portugal, encontram-se revistas como “Modas e Bordados” e “Secção Feminina”, assim como em Espanha se podia encontrar “Y”, “Medina”, “Teresa”, entre outras. Entre muitas receitas culinárias ou conselhos para o lar e para a família, é veiculada informação sobre como reutilizar objectos em desuso ou que por algum motivo pudessem existir em excesso no lar. Reutilizar pode fazer com que um vestido velho se transforme numa nova saia ou que as simples molas da roupa ganhem outras funcionalidades como, por exemplo, prender os cortinados da sala. Com base na reutilização dos objectos, surge a ideia de realizar um tapete em caramelos, doces tradicionalmente adquiridos por portugueses nas suas viagens a Espanha, a partir de um pequeno pano de renda feito pela mãe da autora.

Título: “Ama de Casa”
Ano: 2004
Dimensões: 2mX2m
Materiais: Caramelos, cordão e arame

Uma rede de soluções, 2004

Sobre o projecto
«Um projecto desenvolvido a partir da empresa Phaldata, uma empresa de sistemas de comunicação dividida por vários sectores, desde a oficina, onde se arranjam computadores, passando pelo armazém, onde se encontram as peças que constroem todo o sistema informático, até ao gabinete do director, no primeiro andar. Em “Uma rede de soluções” são fotografados alguns desses espaços – uns aparentemente mais interessantes do que outros – assim como os lugares que as secretárias e os executivos ocupam. No final, a autora optou por centrar a sua atenção no armazém da Phaldata, lugar à partida inacessível a quem está de visita, mas que acaba por revelar-se fundamental na dinâmica da empresa.»

Título: “Uma rede de soluções”
Ano: 2004
Dimensões: 0.53mX0.80m e 0.46mx0.70m
Material: Fotografia
“Uma rede de Soluções”foi comissariada por Luísa Soares de Oliveira, na sala Phaldata.

Campo mártires da pátria 2005

Sobre o Projecto
Uma casa apenas com os vestígios do que em tempos foi a vivência desse espaço. Uma família desconhecida, como desconhecidas são também as ‘estórias’ de quem ali habitou. A partir do acesso ao que restou dessas existências – o espaço em si, os objectos, os livros, as revistas, os jornais – a autora cria ‘a sua ideia’ da família que pode um dia ter habitado esta casa. Entre um número infinito de jornais, destaca-se uma série de revistas femininas, como “Crónica Feminina” (publicação em tempos considerada fundamental para a educação das mulheres), e livros como “O Vício Conjugal”, onde se fala sobre as relações sexuais que não têm como objectivo procriar, entendidas ali como relações tão criminosas quanto o aborto em si mesmo. Construir a identidade de uma família a partir do espaço por ela habitado foi a principal motivação da autora.

Título: “Campo Mártires da Pátria, nº 100, 1º Dto”
Ano: 2005
Dimensões: Variáveis
Material: Diapositivos

S/t 2006

Sobre o projecto
«Uma questão portuguesa que podia ser uma preocupação de todos e não apenas do sexo feminino, desde sempre penalizado por lei, o aborto continua ainda hoje a ser motivo para condenar mulheres e intervenientes responsáveis em Portugal. Nesta situação nunca houve nenhum tipo de evolução ao longo dos tempos em Portugal. “O aborto causas e soluções” enuncia que entre 1912 e 1923 o numero de condenações não chegou a dez, embora tenha depois aumentado, em 1923 -1930 houve no total vinte condenações. A legislação para o aborto continuou a condenar as mulheres durante o Estado Novo, quem levasse uma mulher grávida a abortar com ou sem o seu consentimento, seria punido com pena de prisão entre dois a oito anos, esta pena era aplicada ao médico, cirurgião ou farmacêutico e á mulher que abortasse voluntariamente, contudo, em Portugal nos ultimos anos, mais especificamente desde 2002, com o julgamento de uma enfermeira e dezassete mulheres na Maia, retomou-se um ritual existente á algumas décadas atrás. Apesar de nos encontrarmos no séc. XXI, Portugal continua a condenar mulheres, enfermeiras e médicos que se envolvem na realização de abortos, resultantes da consciência individual. Curiosamente a lei que vigora em Portugal e que permite a realização do aborto mediante algumas excepções, é praticamente idêntica à que vigora em Espanha. As excepções são: em caso de violação, em caso de perigo de vida para a mulher, má formação do feto e se estiver em risco a saúde mental da mulher. Leis semelhantes, pressupostos idênticos, nos jornais portugueses anunciam-se as clinicas que realizam abortos em Espanha, porque ai o risco de serem julgadas e acusadas é menor. Contudo as mulheres espanholas, não correm esse risco e deslocam-se a Inglaterra. Portugal e Espanha foram durante muitas décadas regimes ditatoriais, “aprenderam” desde tenra idade o que são os valore patriarcais. Como se deve comportar uma menina e um menino, qual a posição do homem e da mulher no casamento, a função do pai e da mãe dentro da família. Tudo isto leva a que em ambos ao países permaneçam uma serie de resquícios resultantes desse período, o aborto, pode ser um dos muitos que encontramos em Portugal e Espanha. Acreditamos que em nome do bem da nação devemos preservar a vida, porque é realmente um bem precioso, mas à que ter em conta as condições em que se concebe uma vida, será coerente trazer ao mundo uma criança para a dar para adopção? Será coerente trazer uma criança ao mundo sem condições para a criar? Será coerente trazer ao mundo uma criança em que a mãe não se sente preparada para o ser? Estas são algumas das questões que me coloco, não querendo definir o que é correcto ou incorrecto, bem ou mal, mas sim o que é de domínio publico ou privado com que direito julgamos e condenamos alguém por ter livre arbítrio sobre o seu corpo? Quantas mulheres estariam presas por o terem praticado?
Contudo no decorrer do projecto um dos principais pontos que me interessou desenvolver na instalação é a relação que se estabelece entre o espaço privado e o espaço publico. Pois as mulheres que passam pela experiência de realizar um aborto clandestino em Portugal veem muitas vezes a sua privadicade invadida por uma moral conduzida pela religião. Que define o que é o certo ou o errado, o bem e o mal preservando e cultivando que o livre arbitrio sobre o corpo da mulher grávida pode ser criminoso qd esta decide que não pode ter uma criança seja por que motivo for. A instalação é dividida em duas partes; uma delas o que se supõe ser um espaço exterior á casa, um poço que é construido com os sacos (ou sacas) usados para construir trincheiras, ou para proteger as casas das cheias. Ao lado deste poço existe um balde construido com enemas, objectos utilizados para realizar abortos clandestinos pelas intituladas “tecedeiras de anjos”, como a que vemos no filme “Vera Drake” realizado por Mike Leigh. Na outra parte do espaço existe um tapete, estamos num espaço interior, um espaço privado onde tb temos acesso ao espaço privado do ac, a cozinha. E aqui, ao lado da cozinha existe um tapete, no que se supõe ser a sala, feito em tesouras. Um tapete que normalmente é usado para dar conforto ao lar aqui é usado (quase) como uma “armadilha”.

Materiais: Enemas, tesouras, sacos e areia.
Dimensões: Variáveis

S/t 2006

[todas as fotofrafias e textos foram cedidas pela artista # Célia Domingues]

Filipe Marques - Moi aussi avec toi…

2006-09-03T15:30:00.000Z

Síntese:

"A arte contemporânea será tanto mais eficaz
quanto mais se orientar em função da reprodutibilidade
e, portanto, quanto menos colocar no seu centro a obra original".

Walter Benjamin, 1935.

Moi aussi avec toi…

Os trabalhos apresentados por Filipe Marques na Galeria Sopro, mantêm as mesmas duas noções que o autor tem investigado e desenvolvido no último ano. A noção de Discurso-Referência que envolve a narração de processos, a demonstração do domínio técnico da linguagem pictórica enquanto processo oficinal – e a noção de Espaço-Barroco-Sincopado, isto é, da pintura enquanto alegoria do conceito, o confronto dicotómico entre o racional e o emotivo, o gesto expressivo e repetitivo, o excesso matérico em acumulação e por isso barroco. Ambas as concepções lançavam uma interrogação - a do estatuto da imagem pictórica. Na série actual, essa interrogação é extravasada pelo questionamento não apenas do estatuto mas também da sua própria validade pela inserção de imagens impressas digitalmente e pelos frames também apropriados de Rudolf Nureyev e Margot Fonteyn (1966) em Swan Lake de Tchaikovsky e do mesmo bailarino em La Bayadère com o Ballet da Ópera de Paris (1992). Ambos apresentados em loop nos ecrãs plasmas instalados no espaço expositivo.

O estatuto e legitimidade da imagem transformam-se num exercício perceptivo passível de ser lido em várias dimensões. Esta nova série de trabalhos exclui o exercício correctivo que mesclava os diferentes estratos na superfície da tela da série de trabalhos apresentados anteriormente. Eles são agora individualizados de um modo estanque e o corte arqueológico é muito mais evidente. É clara a territorialidade entre a pintura e a impressão fotográfica.

A noção de simulacro ganha uma nova dimensão. Interrogam-se os limites do informalismo não com o suporte hiper-realista, que na realidade não existe, mas pela simulação da imagem real, aqui apropriada e usada como sustentáculo narrativo e base da pintura em si – a arena onde ela se lança.

(...) As imagens são apenas o leitmotif para a criação de imagens-sedução, o que Jean Baudrillard designou de crime-original. Neste acto intencional, a impressão fotográfica é usada de forma meramente instrumental. Trata-se de uma disposição que não é nem passiva, objectiva ou desinteressada, mas activa, subjectiva e motivada. A noção de apropriação inclui um acto interpretativo e o comprometimento com algo interno ao que é apropriado. Há algo do Pierre Menard e do seu Quixote nesta apropriação. (...)

O que é verdadeiramente manifesto nestas obras é a desagregação algo irónica da distinção criada pelos artistas e críticos modernistas entre arte culta e cultura popular. (...)

Não tem sentido mover qualquer tipo de questão sobre a autenticidade ou originalidade ou mesmo sobre a importância do estilo enquanto signo operatório, para usar a expressão de Rosalind Krauss. Aliás, a mesma autora afirma no seu ensaio A Originalidade da Vanguarda que as suas sucessivas reinvenções resultaram das exigências de originalidade, e que esta é apenas uma hipótese de trabalho que surge num plano de repetições e recorrências. Fotografias pirateadas? Violação dos direitos de autor? (...)

As impressões fotográficas funcionam assim como o texto que sustenta a linguagem pictórica e que só existe no movimento do discurso. É por isso que assume uma postura paradoxal, pois subentende uma noção de classificação, de taxionomia espaço-temporal (espaço da apropriação versus espaço da pintura), que encerra uma hierarquia de lugar, de espaço de ocupação.

Também por tudo isto, é plural, tem múltiplos significados. Podemos compará-la a um campo de territorialidades várias onde se afirma uma orquestração quase orgeástica de meios, desde as implicações de ordem geográfica que uma possível narrativa poderá encerrar – entre a fuga em 1961 da ex Rússia soviética e a obtenção da cidadania austríaca em 1982 – com as suas beligerantes implicações em período de guerra-fria, às implicações de género e a polémica definição da identidade sexual do bailarino e a sua exuberante afirmação. Para desfecho, como numa história trágica, com princípio meio e fim, surgem outras duas fronteiras entre territórios dicotómicos: entre o saudável e o contaminado, entre o perene e o efémero – entre uma carreira brilhante, eterna, conquistada, sofrida e aclamada e a última aparição pública em 1992 como director na estreia parisiense da La Bayadère – cujos frames são percepcionáveis em três dos ecrãs plasma como alegoria do movimento que as imagens apropriadas, linhas, manhas e bolsas de verniz coreografam –, e a morte por HIV em 1993. Mas também estão presentes outras delimitações. Entre o corpo do sujeito ou sujeitos, neste caso, e o espaço-tempo da dança e sobretudo uma sensação de omnipresença amorosa, impossível na forma carnal mas desejada platonicamente e executada nos movimentos ou pausas que se percebem em cada trabalho.

(...)

O movimento é um dos elementos centrais. E paradoxalmente assiste-se à fixação da mobilidade numa imagem estática e à conservação virtual da narrativa dos movimentos em mapas que são coreografados sobre as impressões fotográficas. Apesar de invisível traça-se uma fronteira entre a impressão e a mancha que se lhe sobrepõe. José Gil referindo-se à La Mariée de Duchamp fala de imagens-acto, isto é, de imagens que resultam de uma certa acção de que não se podem separar. O movimento existe em potência em cada uma destas obras, na realidade, na representação da realidade e no simulacro. O que as imagens podem fazer é representar outras imagens.

(...)

[Fotografias de Soraya Vasconcelos

Texto publicado na integra no Catálogo da mesma exposição pela Galeria Sopro / Projecto de arte contemporânea - www.sopro.pt]

João Galrão na Galeria Graça Brandão (espaço 552) Porto

2006-06-23T22:07:00.000Z

Abstract

You are now in my dreams é o título da segunda exposição individual de João Galrão no espaço 552 da Galeria Graça Brandão no Porto. Vários elementos permitem estabelecer quer uma relação de continuidade, quer uma diferenciação entre os objectos/escultura/pintura apresentados na exposição de 2003, nesta mesma galeria, e esta.

Destaco quatro:
1) O monocromatismo
2) A revelação das estruturas construtivas
3) Uma maior amplitude da noção de tensão
4) A dimensão discursiva das formas

Referências:
After Hours, João Galrão. Vila Nova de Cerveira: Galeria Projecto, 2005.
SILVA, Paulo Cunha e - A pele das Formas. João Galrão. Porto: Galeria Graça Brandão, 2003, p. 2.
NAZARÉ, Leonor – João Galrão. Roteiro da Colecção da Fundação Calouste Gulbenkian [http://www.camjap.gulbenkian.org]

Este texto foi publicado na integra na revista on-line ArteCapital http://www.artecapital.net/criticas.php?critica=38

e a Exposição João Galrão, You are now in my dreams esteve patente na Galeria Graça Brandão - Porto na Rua Miguel Bombarda, 552 até 31 Julho de 2006.
http://www.galeriagracabrandao.com

As fotografias foram cedidas pelo artista

João Vieira, ABÊCÊ, Pavilhão Centro de Portugal até 16 Julho 2006

2006-06-05T12:55:00.000Z

Abstract

«Abandonemos por um momento a preocupação de identificar,
de reconhecer, para que a forma que também está em nós se descubra»
João Vieira, 1979

Dando continuidade ao protocolo que a Fundação de Serralves estabeleceu com a Câmara Municipal de Coimbra, inaugurou no dia 20 de Maio no Pavilhão Centro de Portugal a exposição ABÊCÊ de João Vieira.
(...)
Exemplo deste processo permanente de construção formal e técnica é o projecto M.A.R. – 3 letras (7 elementos). Pensado em 1970 como uma intervenção pública, não teve até hoje concretização na dimensão em que foi projectado. Foi, no entanto, apresentado em Serralves em 2002 e agora reencenado no exterior do P.C.P. numa escala inferior à inicial. Foram criadas três bóias em poliuretano fibrado, pintadas com tinta de automóvel (no projecto inicial mediam cerca de dez metros) que configuram as três letras que ludicamente ordenadas constituem a palavra “mar”. As enormes letras foram lançadas como dados num tanque especialmente concebido para o efeito. A este projecto não são estranhas as referências à história marítima das viagens míticas dos descobrimentos portugueses e à relação íntima que esta aventura engendrou com a epopeia literária nacional.
(...)
No interior do Pavilhão dois espaços distintos caracterizam a exposição. No primeiro piso, em duas salas diversas, dois vídeos. O primeiro é uma compilação de três acções-espectáculo: Expansões (1971), Incorpóreo I (1972) e Mamografia (1981).
(...)
Nas obras mais recentes, João Vieira alia as suas pesquisas anteriores – onde as letras e a pintura enquanto signo e significante se assumem como o centro do intenso experimentalismo que sempre caracterizou a sua produção – às tradições populares[1].
(...)
ABÊCÊ (2006), instalação e performance especialmente concebida para este espaço, e que ocupa todo o piso térreo do Pavilhão, insere-se precisamente no universo etnográfico das tradições populares infantis. A instalação é composta por uma gigantesca e labiríntica estrutura de madeira onde foram afixadas – depois de recortadas sobre papel – todas as letras do alfabeto. Ao centro, abre-se uma clareira onde foi colocado um poço com celulose. A simbologia da floresta e do ciclo de vida do papel associam-se à própria nomenclatura do projecto – ABÊCÊ - muitas vezes associado não só à aprendizagem da cartilha mas também à noção abreviada de biografia. No dia da inauguração, esta instalação serviu de cenografia a uma performance onde o próprio artista assumiu a direcção de uma cartilha de jogos (da macaca, o salto do elástico, o saltar à corda, da apanhada, a cabra cega, etc.), cantigas de roda e lengalengas infantis executados por um corpo de jovens bailarinas que ludicamente seguiam as orientações do mestre e da sua batuta.

[2] Exemplo destas pesquisas são os Caretos de Trás-os-Montes.

O texto integral pode ser consultado na revista on-line ARTECAPITAL para a qual foi escrito http://www.artecapital.net/criticas.php?critica=31

As fotografias são da autoria de Ana Luísa Barão

Ana Rito, Melancolia, Círculo de Artes Plásticas de Coimbra até 30 Junho

2006-05-28T21:58:00.000Z

Abstract

Ana Rito apresenta três novos projectos no espaço do CAPC. Dois vídeos e uma instalação que inclui escultura e fotografia. On Stage e Melancolia foram ambos filmados na Sala das Batalhas do Palácio do Marquês de Fronteira. No primeiro, ensaia-se a construção de um corpo que foi intencionalmente encenado para apresentar uma narrativa que não é linear. Não conta uma história, pelo contrário, coloca o espectador perante momentos distintos: um corpo melancólico, suicida, em vertigem, um corpo em espera, em perda ou um corpo em lamento.
(...)
No dia da inauguração, e no espaço de projecção desta vídeo-instalação, foi realizada uma performance pela actriz Maria Gil. Em Deliria, título da performance, não é a acção que potencia o corpo que se desenvolve no tempo; antes, trata-se de um corpo possuidor de toda e qualquer possibilidade de acção que vemos arrastar-se pelas paredes da sala estabelecendo uma relação de continuidade e/ou confronto com as imagens projectadas.
(...)
Defrontam-se formas corporais, corporizam-se emoções e estabelecem-se relações de intimidade entre espaço e corpo, entre o corpo e a arquitectura, entre estes e o observador, construindo-se, como sublinha a artista, «uma acomodação para a quietude que não existe em mais nenhum lugar, pois tudo o resto lá fora tende a escapar às implicações silenciosas do aqui». O confronto que se desenha entre On Stage e Deliria pressente-se igualmente nos outros dois projectos.
(...)
Parachute é uma instalação que integra duas enormes sombrinhas de sol produzidas com napas, fitas de cetim e que foram suspensas a diferentes alturas no tecto da primeira sala do CAPC. No mesmo espaço, colocadas axialmente, duas fotografias da Sala das Batalhas que apresentam duas personagens – as actrizes Sara de Castro e Maria Gil corporalizam as personagens.
(...)
A objectualização emotiva do corpo, a obsessão pela identidade, a sexualidade e a santidade são os conceitos centrais explorados por Ana Rito nesta exposição.

O texto na integra pode ser consultado na revista on-line ARTECAPITAL para o qual foi escrito
http://www.artecapital.net/criticas.php?critica=27

«Narrativas» e a Crítica / Texto do Catálogo

2006-05-18T12:00:00.000Z

Narrativas

Quando Jean-François Lyotard definiu a condição pós-moderna como um estado de cepticismo face às meta-narrativas, estabeleceu o início de uma série de discussões sobre os vários sistemas narrativos segundo os quais se organizava a sociedade. Analisando as narrativas imperantes de legitimação e emancipação, argumentava que a pós-modernidade era caracterizada, não por uma narrativa única, contínua e homogénea, mas por narrativas menores, multíplices, dispersas, efémeras, que não supunham qualquer legitimação de carácter universal.

Um dos principais pressupostos do pós-modernismo é a contestação dos modos culturais dominantes – do patriarcado ao capitalismo – no entanto, existe a consciência de que não se pode desembaraçar completamente deles. Nada existe fora destas meta-narrativas. A pós-modernidade evidencia-se também pelo desaparecimento do sentido da história. O sistema social contemporâneo perdeu a capacidade para reter o seu próprio passado. Outro sentido não se percebe, por exemplo, nas afirmações do Presidente Iraniano Ahmadinejad, quando pôs, recentemente, em causa a ocorrência do Holocausto… Vive-se um presente ininterrupto. Desaparecido o fio condutor da História, surgem outras narrativas, através de outras culturas, de outras leituras, de outros entendimentos, através de diferentes «estratos de representação» como sugeriu Douglas Crimp em Pictures[1]. O reconhecimento do Outro permitiu a descentralização das normas e a sua diversificação. Foi neste sentido que o conceito de sujeito – o sujeito moderno – foi posto em causa. A obra pós-moderna não é, como refere Hal Foster[2] uma espécie de livro selado pelo autor, com um sentido definido e fechado, mas um texto que pode ser lido como um tecido polissémico de códigos.

Um novo valor foi dado à noção de experiência pessoal e íntima no contexto da pós-modernidade. Só esta valorização justifica a importância que tem sido atribuída às narrativas de ordem ontológica. Exemplo disso são as enumeras biografias, autobiografias e exercícios de auto-representação que abrangem os diferentes cenários da contemporaneidade, e não só a artística. Esta auto-referencialidade reflecte igualmente um comprometimento político. Se o pessoal é político, como se afirmou nos anos 70 do século XX, o que se desejava é que a vida pessoal, privada, a ideologia do sujeito, fossem encaradas no mesmo plano de ideologia. Princípios de igualdade e justiça foram aclamados pelo feminismo quer para o plano político, quer para o pessoal e familiar. Obviamente que esta releitura contribuiu para uma renegociação das políticas de representação e auto-representação.

A partir das décadas seguintes foi-se perdendo, por influência da visão pós-moderna, a ideia de uma arte feminista universal. O género passou a ser compreendido como um processo cultural que se constrói através de certos procedimentos sociais. É nesta perspectiva que se defende não existir uma arte de mulheres diferenciada da dos homens mas antes, tantos argumentos artísticos como personalidades criadoras. Hoje, já não tem sentido actuar segundo estereótipos como o masculino e o feminino. Se a identidade masculina parece associar-se quase sempre a diferentes estratégias de domínio, dinamismo e autonomia; o estereótipo feminino é, por sua vez, associado à passividade, submissão, dependência e expressividade de emoções e de sentimentos para com os outros. Esta bipartição parece não ter qualquer sentido e a presença destas referências em alguns projectos reflecte unicamente a sua instrumentalização como meio de autocrítica.

Hoje, não se fala de Feminismo, mas de Pós-feminismo. O prefixo permitiu a este movimento manter algumas das suas apreensões e teorias anteriores, ao mesmo tempo que passou a incorporar novas considerações. Ampliaram-se e pluralizaram-se temas. Das questões puramente políticas, às ambientais, sociais, culturais, à sexualidade, etnicidade, corporalidade, apenas para citar alguns dos conceitos que se encontram no cerne da exploração das artistas seleccionadas para esta exposição.

Narrativas reúne projectos de 16 artistas, produzidos na sua grande maioria para o espaço da Galeria Sete em Coimbra, que exploram o espaço expositivo de um modo experimental, apresentando diversos suportes que vão do vídeo, à fotografia, passando por objectos, instalações, pintura-colagem e desenho. Esta pluralidade de meios foi o ponto de partida para pensar a igual diversidade temática, axiológica e as contradições que caracterizam a arte contemporânea. Plataforma experimental de trocas entre os projectos e o público, este espaço pretendeu, por um lado, constituir-se como um ensaio de diluição de preconceitos e por outro assumir-se como um campo de desmistificação de discursos.

Directa ou indirectamente, explícita ou implicitamente, de uma forma assumida ou não, as artistas seleccionadas para Narrativas mantêm uma relação com aspectos teóricos do feminismo. No entanto, o conceito não foi o de construir um novo modelo de identidade feminina mas, pelo contrário, o de decompor as imagens convencionais da feminilidade que o discurso da representação sexual patriarcalizou, criando por um lado, uma ontologia independente da intimidade, e por outro, centrando-se na desconstrução das questões de género. A exposição pode mesmo ser analisada segundo este vértice que acaba por confluir num mesmo pressuposto, isto é, uma vontade expressiva de explorar, através do discurso plástico, um dos aspectos mais interessantes da arte contemporânea – o seu potencial crítico.

Ontologias da Intimidade

Dora Moura desenvolveu um projecto que parte do conceito de memória. Não se trata, como refere a artista, da «memória que o tempo regista sobre o espaço», mas das marcas deixadas na paisagem feminina. Uma paisagem narrativa que se manifesta através de diferentes registos prospectados em livros e revistas: da revolução feminina, à maternidade, passando pela sensibilidade, pornografia e contos eróticos. Estas referências – que assumem diferentes formatos: textos e imagens – foram retalhadas em finas tiras de papel. Com elas, a artista teceu retalhos de uma enorme toalha rendada sobre várias telas de diferentes dimensões e orientações que se sobrepõem formando dois enormes puzzles. No seu conjunto, pretendeu fazer alusão a vários aspectos do mundo feminino, inter-textualizando os diferentes aspectos da feminilidade: a beleza, a inteligência, a maternidade, a sensualidade, a sexualidade, a independência. O objectivo foi «criar um efeito ilusório onde esta teia de informações se transforma em renda – quando estamos distantes dela – e – quando nos aproximamos – se re-transforma em trama de informações, de letras, de registos, de cores, de corpos, de texturas… fazendo com que aquilo que é geral – a mulher – se torne particular a cada passo dado na sua direcção».

Vendetta de Soraya Vasconcelos explora também esta vertente caleidoscópica e simbólica da identidade feminina. Trata-se de uma fotografia cuja disposição formal e a sequência que a caracteriza induz o espectador a entrar numa narrativa visual de acontecimentos. O olhar percorre os vários estados de ânimo – admiração, indagação, inquietação, medo – de uma personagem, uma mulher (o capuchinho vermelho), vestida com a Pele de Lobo (um vestido inspirado em modelos dos anos 50 de Christian Dior).

Centrando-se no lado mais obscuro da personalidade feminina, Ana Rito explora, com a sua instalação L’Absence, a noção de silenciação evocando vários momentos – a solidão, a morte. O luto que completa a peça reflecte um monólogo de intimidades que se erotizam pelo jogo de sensações que provocam. Um candeeiro de tecto pintado de preto de onde pendem fitas de cetim, também pretas, foi meticulosamente disposto no chão da galeria. A minúcia revelada pela colocação das fitas cria um ambiente onde o corpo se encena e é encenado.

O silêncio da Imagem é também o elemento central das fotografias apresentadas por Dalila Vaz. São composições pormenorizadamente cenográficas, pelos espaços, pela sua textura, caracterização, marcas do tempo e presenças insinuadas que sugerem uma ambiência determinante para a concepção fotográfica. Le Mariage apresenta-se sob a forma de duas imagens idênticas na sua composição formal e na sua realidade contextual. Segundo a artista «retratam o sentimento perdido da ocupação do espaço por duas personagens que apesar de estarem em posições sociais semelhantes ocupam mundos e realidades diferentes».

Também para Joana Mendonça a passagem do tempo e as marcas deixadas pelo homem e pela natureza nos espaços que ocupa ou invade constituiu o ponto de partida para a criação de um padrão de papel com o qual forrou uma cadeira, uma mesa e uma tela. Objectos facilmente identificáveis, familiares, são uma espécie de extensão do próprio homem.

Sugestionando uma intimidade e uma familiaridade que se torna e quer visível, Raquel Gomes retrata testemunhos do tempo, do espaço e do corpo, os vários objectos que fazem a sua história íntima e pessoal. Um par de brincos, uma caixa de sabonete, um porta-moedas, …

Na linha de uma memória da intimidade Kinga Ogórek executou um enorme saco confeccionado com saquetas de chá usadas. Questões de fragilidade, sensualidade, feminilidade, translucidez, odor estão presentes neste trabalho. Teasack Work traduz-se numa frágil pele de memórias e prazer cujo vertente sensorial é a mais visível e desejada.

Também Susana Pires se debruçou sobre o campo afectivo numa perspectiva feminina e não feminista, como sublinha a própria artista. Sobre-Pele-Rosa é um exercício de revelação do corpo como local de sensações. Um corpo que existe para abraçar outro, esta peça é um permanente convite à participação efectiva e afectiva do espectador. Simbolicamente, representa o feminino enquanto lugar de conforto e ao mesmo tempo privação. Para Susana Pires «vestir o papel de ser mulher é vestir o peso de um corpo socialmente sexualizado». As bolas de madeira envoltas em croché e malha polar que pendem do corpo principal da peça sugerem metaforicamente esse peso.

Na mesma ordem dos afectos, Mónica Faria apresenta um vídeo autobiográfico. Um corpo feminino – a artista – totalmente envolto em fio de lã vermelha, desenrola-se lentamente até à nudez, ao mesmo tempo que ao seu lado, uma dobadoura recebe e se envolve no fio que o corpo lhe oferece. Simbolicamente são questionados os limites do corpo e do objecto, os seus significados e funções, ao assistir-se a «uma dança entre os pressupostos da morte e do nascimento, da preparação do acontecimento e do acontecimento em si, da dor e da libertação, a relação abrangente do significado de fim e princípio».

Ainda no universo da afeição, Ana Guedes criou uma complexa instalação que reúne, num guarda-fato especialmente concebido e adaptado à situação, uma colecção de corações remendados – anteriormente apresentada num contexto e formato expositivo distinto[3] – ferramentas, planos cardiológicos, um cofre de desilusões, frascos, uma mesa de trabalho, iluminação própria, tudo num ambiente concertado e encenado para a apresentação desta peça. Cada coração foi dado a remendar na esperança de não voltar a estilhaçar-se e foi colocado em redomas de vidro encaixilhadas. Trata-se, como descreve a artista, de um processo «indissociavelmente ontológico» pois «a colecção mora no meu armário, o meu refúgio privado, um lugar ao processo compulsivo de remendo».

A conferência dos pássaros é o título de um poema de Farid Uddin Attar, poeta persa do século XII, e também o escolhido por Ana Pérez Quiroga para a instalação que criou especialmente para o espaço desta Galeria. Três abutres foram suspensos e pairam sobre cinco figuras de terracota. Metáfora do nascimento, da maternidade, da regeneração o «abutre comedor de entranhas, alimentando-se de carcaças e de imundices pode, segundo a artista, ser considerado como um agente regenerador das forças vitais, que estão contidas na decomposição orgânica e nos restos de toda a espécie, como um purificador, um mágico que assegura o ciclo da renovação, transmutando a morte em vida nova».

Estratégias para a (des)construção da Identidade

A questão do Género é um dos mais recorrentes entre as artistas contemporâneas. Cinco dos projectos apresentados em Narrativas centram-se especificamente na desconstrução desta dimensão de género através de diferentes exercícios críticos.

O projecto de Manuela São Simão revela preocupações para com a com a guetização feminina, isto é, com a sub-representatividade das mulheres nas artes. A instalação divide-se em dois momentos distintos e axialmente dispostos no espaço da Galeria. Entre ambos, uma linha tracejada estabelece uma relação de reciprocidade e causalidade, mas também de fronteira e afastamento. De um lado, cerca de sessenta telas foram empilhadas enquanto outra foi disposta na parede. Nela, vários nomes de mulheres foram etiquetados e classificados. Do outro lado, um pequeno gueto de caixas simboliza o arquivo de projectos e ideias de mulheres à espera de visibilidade artística.

A instalação de Eva Alves é composta por oito pares de sapatos, quatros femininos e quatro masculinos. Segundo a artista, são homens e mulheres que procuram ser desejados. Os sapatos e botas são revestidos a moldes de látex feitos a partir dos mamilos da própria artista. Os mamilos evidenciam, deste modo, o carácter enigmático dos objectos sobre os quais foram colados, transformando-os em fetiches, em armas de sedução que apelam ao toque e que pretendem “suscitar ambiguidades de desejo e desconfiança quando o observador se imagina a usá-los”. Eva Alves procedeu à reinvenção de um objecto já existente atribuindo-lhe um conotação que pode ser interpretada a vários níveis. Uma leitura possível leva o espectador para o campo das igualdades e hierarquias de género. O número de pares de sapatos femininos e masculinos é o mesmo. Homem, estereótipo da racionalidade, é colocado em equidade com a mulher, lugar-comum da sensibilidade, da sensualidade, do desejo…

Carla Cruz apresenta um projecto fortemente marcado por uma ideologia feminista. Por ideologia, entende-se todo o complexo de práticas sociais e sistemas de representação. Segundo a artista «Could you do for me with your hands...? é uma pesquisa visual sobre a representação feminina». Esta pesquisa foi feita através de um inquérito de rua em Roterdão. Pediu-se aos transeuntes que, respondendo apenas por linguagem gestual, simulassem a representação de uma vagina. Os gestos foram depois sujeito a uma estratégia de descodificação e difusão. Primeiro foram desenhados apenas com linhas de contorno, numa intencional linguagem de simplicidade, alegadamente universal. Depois foram impressos sobre papel autocolante e colocados em casas de banho, e como refere a artista, apenas em casa de banho públicas de várias cidades europeias ao longo de dois anos. Ao colocar os autocolantes nestes não-lugares, o carácter público destes gestos revela-se, ao mesmo tempo são experienciados duma forma íntima. São o público e o privado de uma mesma face.

Também, Flávia Vieira explorou a dicotomia entre as esferas pública e privada e a noção de subordinação universal da mulher. Num estendal de rua foram desenrolados, lençóis, panos de cozinhas e lenços de homem. Em todos eles foram serigrafados imagens e/ou textos. Nos lençóis, torneiras e ralos de lava-loiças; nos panos de cozinha, objectos e frases que, aludindo ao assunto representado, assumem uma conotação de manifesto e ao mesmo tempo simulam um pedido de socorro ou revolta. Ao lado de um espremedor de citrinos pode ler-se “não me espremas mais” ou sob uma batedeira um “não me batas mais”. Nos lenços de homem, a artista optou por serigrafar monogramas de nomes que se deduzem masculinos e pequenos textos recolhidos em periódicos que narram crimes passionais, todos eles de homens que violentaram e assassinaram as suas mulheres. A sensação de violência é acentuada quando se ouve nos auscultadores colocados sobre um banco de cozinha junto à instalação – que o espectador é incentivado pela curiosidade a ouvir –, os sons metálicos de electrodomésticos e facas a serem afiadas.

Finalmente Tainted Love de Catarina Saraiva insere-se num conjunto de projectos que a artista tem vindo a desenvolver sobre a questão dos limites do corpo e da sua percepção. O tema Vanitas, já explorado anteriormente, constitui o ponto de partida do projecto agora apresentado. Na sua origem encontra-se a série Agnosia. A agnosia é uma perturbação que se caracteriza pelo facto de a pessoa poder ver e sentir os objectos, mas não os pode associar ao papel ou função que habitualmente desempenham. O espelho em Vanitas foi sujeito a um processo de agnose. Mantém a sua aparência, mas em vez de reflectir, devolve um corpo material. É um espelho na sua aparência, e outra coisa qualquer na sua função. Um processo semelhante ocorreu em Tainted Love. A instalação é constituída por vinte e três peças. Cada unidade consiste numa moldura em gesso, de contornos florais, arredondados e orgânicos de cujo interior se projecta uma língua de cetim adamascado preto. As relações entre os estereótipos da forma feminina e masculina são aqui descontextualizados adquirindo um carácter enigmático especialmente quanto ao seu significado e função.

[1] Douglas Crimp, Pictures, October 8 (Primavera 1979), pp. 77-87.
[2] Hal Foster, Asunto: Post, Parachute 26 (Primavera 1982), pp. 11-15.
[3] “BlueScreen”, Galeria do Palácio, Porto , 2005.

Ana Luísa Barão
Coimbra, 15 Maio 2006

Críticas à Exposição

MARTINS, Celso, «Mulheres em Coimbra», Actual, Expresso, nº. 1747, 22 Abril 2006, p.47-48.

JURGENS, Sandra Vieira, «Abordagem Feminina», L+Artes, Maio 2006, pp. 86-87.

JURGENS, Sandra Vieira, Perpectiva Actual, ARTE CAPITAL, 05-04-2006 http://www.artecapital.net/perspectivas.php?ref=4

ALMEIDA, Patrícia Cruz, «"Narrativas" na Galeria Sete», Diário da Beiras, 1 Abril, 2006.

[todas as fotografias apresentadas nas entradas relacionadas com esta exposição são da autoria de Ana Luísa Barão
Design Gráfico da Exposição é de Helder Bento
O texto foi publicado em catálogo produzido pela Galeria Sete
www.galeriasete.pt]

Susanne Themlitz - O Estado do Sono

2006-05-09T21:05:00.000Z

Escultura integrante da instalação de Susanne Themlitz. Fotografia: Thomas Bock

Em Temps et Récit, Paul Ricoeur aprofunda a questão do acto narrativo e a relação particular entre as noções de narrativa e temporalidade. Guardiã do «tempo», a narrativa é uma experiência temporal que apenas pode ser contada. O processo narrativo e a experiência temporal são duas categorias que fazem parte do discurso plástico ensaiado por Susanne Themlitz na instalação que apresenta na Galeria CGD da Culturgest no Porto. Ao entrar no amplo espaço da exposição, o espectador é subitamente confrontado com uma sensação antagónica de estranheza e familiaridade. O acervo caótico de objectos, seres, utensílios de trabalho, andaimes rudimentares que se erguem sem destino ou função aparente, contribui para a construção de múltiplas narrativas que num movimento de zapping visual podem ser observadas. (...) As reinvenções do corpo são permanentes. No fundo, a artista constrói um universo que opera no imaginário onde a personificação dos objectos se confunde com a objectualização de seres andróginos. É esta tensão que anima o aparente desequilíbrio e fragilidade que se sente nas estruturas, cuja inverosimilhança apenas pode remeter para um diferente estado de vigília. Tendo presente alguns dos projectos anteriormente desenvolvidos pela artista[1], noções de individualidade, solidão, anonimato, privacidade e marginalidade mantêm-se efectivas na instalação agora apresentada. Todas as actividades humanas são de facto um estabelecimento de relações. Narrativas, imagens e gestos constituem modos do Homem se relacionar com o mundo e consigo próprio.

[1] Galeria dos Solitários, Carracundos e Ensimesmados (1997-2001), Solitários Inofensivos (2001), Da vida privada dos Parasitas Marginais e Dissimuladores (2001), Modus Vivendi. Genus Mutabile Criaturas Venatórias Anónimas (2003) Rivais Arraianos Anónimos (2003).

http://www.anamnese.pt/index2.php

O texto na integra pode ser consultado na revista on-line ARTECAPITAL
http://www.artecapital.net/criticas.php?critica=17

Narrativas na Galeria Sete - até 28 Maio

2006-05-03T18:22:00.000Z

Comissariado
Ana Luisa Barão

Obras de
Ana Guedes
Ana Peréz-Quiroga
Ana Rito
Carla Cruz
Catarina Sariva
Dalila Vaz
Doura Moura
Eva Alves
Flávia Vieira
Joana Mendonça
Kinga Ogórek
Manuela São Simão
Mónica Faria
Soraya Vasconcelos
Susana Pires

Até 28 de Maio

Galeria Sete Arte Contemporânea
Av. Elísio de Moura, 53
3030-183
tel 239702929
fax 239780404
tlm 967009613

http://www.galeriasete.com/
sete@galeriasete.com

2ª a 6ª Feira das 11h às 13h e das 15h às 21h
Sábado das 15 às 21h
Domingo das 15 às 21h

Ana Vieira em Coimbra

2006-04-19T22:39:00.000Z

Ambiguidade entre interior e exterior, privado e público, presença ou ausência, são algumas das qualidades que podem ser percepcionadas nas três obras pertencentes à colecção da Fundação de Serralves apresentadas no espaço do Pavilhão Centro de Portugal em Coimbra numa exposição comissariada por João Fernandes.

Menciono este último aspecto pois considero que a inserção da instalação Corredor no espaço principal do Pavilhão revelou uma preocupação e um esforço conseguido de adequação e enquadramento da obra no espaço arquitectónico.

Observada do primeiro piso através de uma janela que permite ter uma panorâmica do edifício, a instalação parece relacionar-se harmoniosamente com espaço nos seus volumes quebrados e na identificação com a mancha branca que invade e caracteriza o interior do edifício criado por Siza Vieira.

Esta instalação foi concebida pela artista para o espaço da Galeria Quadrum onde esteve patente ao público entre 16 de Março e 8 de Abril de 1982. Composta por madeira, ferragens e algumas dezenas de metros de pano de algodão branco, a estrutura forma um corredor estreito, por vezes baixo e espartilhado nos seus ângulos, convidando o espectador a atravessar o seu interior e a percorre-lo na perspectiva de alcançar algo que não é perceptível nos primeiros metros do percurso.

Esta instalação introduz na obra de Ana Vieira algumas diferenças face ao tipo de ambientes/instalações produzidos durante a década anterior. Posso citar como paradigma oposto e a título de exemplo, Sala de Jantar (1971), pertencente à colecção do CAM/JAP da Fundação Calouste Gulbenkian, onde, ao contrário do que acontece com Corredor, o espectador é impedido de entrar no espaço da instalação por uma trama de tecido transparente onde foram impressos vários perfis de mobiliário associado a uma sala de jantar.

No Corredor, o tecido usado não é translúcido. A relação criada com o espaço envolvente é totalmente distinta.

Ao contrário de uma visão simuladamente globalizante, e neste sentido confortável, no Corredor é-nos infligido um sentido, uma visão e um destino. Este jogo entre transparências e opacos dita uma falsa sensação de participação ou postura de observação em cada um dos projectos.

Esta questão da visão, de um olhar participativo, contemplador ou voyeurista é outra das questões que atravessa os vários projectos desenvolvidos por esta artista e as outras duas peças seleccionadas para esta exposição não fogem a essa reflexão.

No primeiro piso do Pavilhão temos acesso às outras peças. A primeira, designada de Mesa-Paisagem, data de 1975, e a segunda, Janelas foi realizada em 1978.

Enquanto a primeira se concentra na exploração de uma indistinção disciplinar, processo que começou a desenhar-se na arte portuguesa no início da década de 60 e que deu lugar à criação de instalações e ambientes onde se tornaram pouco claras as fronteiras entre pintura e escultura, a segunda introduz uma reflexão sobre o que João Fernandes referiu como a observação do nosso próprio acto de observação.

Mesa-Paisagem é uma mesa redonda dividida em dois hemisférios. Aqui dominam o olhar participativo e o contemplador por esta mesma ordem. Na terra janta-se com talheres de prata e no mar navega-se à vela.

Em Janelas é o olhar voyeurista que invade ou é convidado e perscrutar o interior de uma casa. A instalação é composta por seis projectores de slides, um guião e uma banda sonora. O espectador é transformado pela artista num invasor da privacidade alheia.

A mesma situação repete-se em Le Déjeuner sur l'herbe de 1977, obra que pode ser vista no âmbito da exposição “26 Anos – Encontros de Fotografia” no Centro de Artes Visuais de Coimbra. Trata-se da projecção de um diaporama do quadro homónimo de Edouard Manet sobre uma tolha de piquenique na qual foram dispostos copos, pratos, uvas, um cesto, pincéis e uma paleta de tintas.

Na pintura de Manet a personagem feminina nua, em primeiro plano, olha incisiva e directamente para um espectador imaginário.

O modo como o faz, transforma-o num outro protagonista da cena representada. A crueza dessa participação sente-se a presença física dos objectos deixados sobre a toalha.

Montagem da Exposição NARRATIVAS - 4º dia - 31 Março 2006

2006-04-14T20:29:00.000Z

Vários pormenores da Intalação de Ana Guedes

Montagem da Exposição NARRATIVAS - 3º dia - 30 Março 2006

2006-04-14T18:28:00.000Z

Dora Moura

Diferentes possibilidades de Instalação dos diaporamas de Carla Cruz

Inicio da Instalação de My broken heart collection. Ana Guedes e Carla Capela

Carla Capela

Montagem da Exposição NARRATIVAS - 2º dia - 29 Março 2006

2006-04-05T01:26:00.000Z

Catarina Saraiva

Eva Alves

Flávia Vieira

Kinga Ogorék

Doura Moura

Ana Pérez-Quiroga

Montagem da Exposição NARRATIVAS - 1º dia - 28 Março 2006

2006-04-04T19:17:00.000Z

(design Helder Bento_tlm. 914797072_helderbento@gmail.com)

Comissariado: Ana Luisa Barão

Obras de:
Ana Guedes
Ana Peréz-Quiroga
Ana Rito
Carla Cruz
Catarina Sariva
Dalila Vaz
Doura Moura
Eva Alves
Flávia Vieira
Joana Mendonça
Kinga Ogórek
Manuela São Simão
Mónica Faria
Soraya Vasconcelos
Susana Pires

Inauguração: 1 de Abril às 21h
Até 28 de Maio

Galeria Sete
Arte Contemporânea
Av. Elísio de Moura, 53
3030-183
tel 239702929
fax 239780404
tlm 967009613
http://www.galeriasete.com/
sete@galeriasete.com

2ª a 6ª Feira das 11h às 13h e das 15h às 21h
Sábado das 15 às 21h
Domingo das 15 às 21h

1º Dia 28 Março 2006

Dora Moura

Dora Moura e Eduardo Rosa

Susana Pires

Susana Pires, Ana Luísa Barão e Manuela São Simão

Depois do Almoço no Polo II. Dora Moura, Mariana Saturnino e Susana Pires

Chegada da Dalila Vaz à Galeria com o seu "rolo" de fotografias

Manuela São Simão

Eduardo Rosa

Manuela São Simão

Paulo Rosa na montagem dos desenhos de Raquel Gomes

Preparação da montra da Galeria com o lettring (Design Helder Bento)

Dalila Vaz - Narrativas

2006-04-03T21:37:00.000Z

CV
Dalila Vaz nasceu 1980. Vive e trabalha no Porto. Estudou Artes Plásticas na ESAD - Caldas da Rainha - (2005). Participou em vários Workshops: IX Simpósio Internacional de Pedra das Caldas da Rainha (2003); Workshop de Escultura em Pedra, E.S.A.D., Caldas da Rainha (2002); Workshop de Resina e Fibra de Vidro, E.S.A.D. Caldas da Rainha (2002); Recebeu o 2º Prémio de Desenho da Office Center em 2003. Participou em várias exposições colectivas Exposição de Finalista (Caldas da Rainha, 2005) e Casa dos Barcos (Caldas da Rainha, 2004).

Sinopse
O trabalho torna-se bastante pessoal ao fazer composições com a minha figura, e com o que ela representa, enquanto pessoa que fotografa, objecto fotografado, e como mulher. Procuro para tal espaços sugestivos pela sua textura, composição e pela noção de tempo passado a que alude. O diptíco intitulado “ Le Marriage”, apresenta-se sob a forma de duas imagens que são idênticas tanto na sua composição formal como na sua realidade contextual. Retractam o sentimento perdido da ocupação do espaço por duas personagens que apesar de estarem em posições sociais semelhantes ocupam mundos e realidades diferentes.

Le Marriage , 2005
Fotografia sobre papel Mate
2x (100x70 cm)

S/ Título, 2005
Fotografia sobre papel Mate
100x70 cm

Eva Alves - Narrativas

2006-04-03T21:18:00.000Z

CV
Eva Alves nasceu em 1980. Estudou Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Frequenta o mestrado em pintura (variante teórico-prática), na FBAUL. Frequentou vários Workshops: Técnicas Contemporâneas de Trabalho em Vidro (dir. Michael E. Taylor, FBAUL, 2002); Técnicas de Desenho (dir. Maria João Gamito, FBAUL, 2001). Participou em várias Exposições com destaque para Jovem Aposta em Ti (2006), Prémio de Pintura e Escultura Artur Bual 2005 (2005); Anteciparte 2005 (Estufa-Fria, Lisboa, 2005) e Exposição de Finalistas da Faculdade de Belas Artes 2004/2005 (Galeria Mitra, Lisboa, 2005).

Sinopse
«“Sobre os homens e mulheres que procuram ser desejados” é uma obra composta por um conjunto de objectos, cuja essência se insere num contexto aprazível. A intervenção neles presente revela de modo peculiar, às distintas conotações aprazíveis que os compõe. Ao revestir com “mamilos femininos” um conjunto de sapatos, estes evidenciam o carácter enigmático neles retido e convertem-se em fetiches. Saltos altos, sapatos elegantes, são algumas das armas dos jogos de sedução. Objectos atractivos, que indubitavelmente aludem ao toque, que por nós desejam ser tocados e como veículo de desejos suprimidos, transportam-nos para um ambiente sensualista. Essa é a arte que seduz, que não mais regula desejos e onde o desejo flúi livremente. Destinados a produzir obras de carácter ambíguo, constituídas por um conjunto de objectos atractivos que nos transportam para um ambiente sensual, estes objectos aprazíveis e tácteis, começam por suscitar ambiguidades de desejo e desconfiança quando o observador se imagina a usá-los. Procuro sobretudo reinventar num objecto mundano e familiar uma fantasia erótica. Colocados num contexto pouco comum, estes objectos ar partilham semelhante linguagem, entram facilmente em concordância entre si, transitando entre os diferentes tipos de prazer que neles estão implícitos e proporcionando experiências ao espectador, através da sua interacção física e mental. »

Sobre os homens e mulheres que procuram ser desejados, 2005
“Mamilos femininos” em látex sobre botas e sapatos
300x300 cm

Joana Mendonça - Narrativas

2006-04-03T20:43:00.000Z

CV
Joana Mendonça, nasceu em 1982, em Viseu. Licenciada em Pintura, pela Faculdade de Belas artes da Universidade do Porto. Frequenta a Pós-graduação de Gestão Cultural na U.L.H.T. em Lisboa. Trabalhou como colaboradora no Cinema Passos Manuel, e como responsável pelas visitas guiadas na Solar - Galeria de Arte Cinemática, em Vila do Conde. Trabalha como assistente no Teatro Carlos Alberto, no Porto. É membro e co-fundadora da MINA- Associação Cultural, com sede no Porto. Participou em variadas exposições colectivas como: (2006) “Metáfora do Coração”, no espaço Artes Múltiplas; (2005) “Casa casais”- intervenções no espaço urbano em transformação; “XIII Bienal de Cerveira”, com o projecto “Interferências”-intervenções artísticas no espaço público; Exposição Colectiva de Fotografia no Museu da FBAUP; (2004) “Movimentos”, na galeria Psyhari 36, em Atenas, Grécia.

Sinopse
Este trabalho reflecte a passagem do tempo e as marcas deixadas pelo homem nos espaços que ocupa ou que foram seus. Parte de um padrão de papel de parede que nunca existiu, de uma planta que se apoderou de um espaço abandonado pelo homem, para mais tarde o abandonar também. Assim como os espelhos, as plantas observam e reflectem o que se passa à sua volta. Constroem-se através de nós e contam a nossa história. O que resta são as marcas, as nossas e as que qualquer pessoa identificaria como suas: uma cadeira comum, uma tela, que decora a sala de jantar, ou quaisquer outras referências. O que estes objectos desejam é a identificação, a familiaridade, permitindo uma experiência estética, visual e sentimental. Uma extensão material de nós próprios.

Biowallpaper I, 2006
Cadeira Tela e Mesa revestidas a pano e tela, ambas realizadas a serigrafia sobre pano.
Tela 70x70 cm
Cadeira 84x42x38 cm.
Mesa

Mónica Faria - Narrativas

2006-04-03T20:34:00.000Z

CV
Mónica Faria nasceu em 1979 em Espinho. Vive e trabalha no Porto.
Licenciada em Artes Plásticas - Escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto em 2005. É membro activo do grupo Identidades (Cooperativa Gesto/ Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto), grupo de intercâmbio cultural e artístico. Foi também fundadora e é membro activo do colectivo Senhorio tendo participação nas edições das fanzines Barba, Pingue, C(r)oquete e Busto em 2005. Participou nas seguintes exposições colectivas: Blue Screen, galeria da Biblioteca Almeida Garret, Porto (2005); Outros Lugares, Faculdade de Direito da Universidade do Porto (2004); M.S.N.- Ideias no Lugar, Museu Nogueira da Silva, Braga (2004).

Sinopse
Meada é um video de longa duração em que num plano único uma acção contínua decorre.
Um corpo envolvido em lã vermelha de arraiolos (o da própria artista) desvela-se progressivamente estabelecendo um elo de dádiva e reciprocidade com uma dubadoura, elo materializado no próprio fio que é o nexo, neste caso, invertido do acto de dubar. (dubadoura: objecto da tradição dos arraiolos que é usado numa fase inicial e preparatória da feitura do tapete- o antes de acontecer).
Num jogo de objectualização do corpo e de humanização do objecto (que tendo em conta o carácter autobiográfico da obra, é sobretudo da ordem dos afectos) as premissas primeiras da relação instrumental do objecto e funcional do corpo são alteradas e por isso poetizadas.
Esta subversão questiona o limite das coisas tangiveis e visiveis bem como as suas significações:uma dança entre os pressupostos da morte e do nascimento, da preparação do acontecimento e do acontecimento em si, da dor e da libertação, a relação abrangente do significado de fim e principio.
Um duelo mudo e passivo.

Meada, 2006
Vídeo, Cor.

Manuela São Simão - Narrativas

2006-04-03T20:14:00.000Z

CV
Manuela São Simão nasceu em São Paulo (Brasil) em 1980. Licenciada em Artes Plásticas_Pintura, pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto (2003). Vive e trabalha no Porto. Expõe regularmente desde inícios de 2000. Participou em diversas exposições colectivas e individuais: “Boundaries_Espaço-Caixa” (instalação e Project-room na “Velha-a-Branca-Estaleiro Cultural”, Braga,2005) ,“Fronteiras e Enquadramentos” (galerias do Labirintho – Bar, Porto,2005), “Boundaries (Destaques) (Project-room com luz negra na “Por-Amor-à-Arte Galeria”, Porto, 2003), “Projecções” (colectiva de desenho na Fundação Júlio Resende, Porto,2003). Tem sido reconhecida com diversos prémios entre os quais o 2º Prémio na “VIII edição do Prémio de Pintura Fidelidade/Mundial” (Culturgeste, 2004) e o 2º Prémio na VII edição do “Prémio de Pintura João Barata” (Livrarias Barata, Lisboa, 2003).

Sinopse
“Boxed Attitudes” são mulheres à espera de uma oportunidade para agir, para mostrar os seus ideais, para expor as suas ideias. Estão dentro de caixas, rotuladas, sufocadas por “pré-conceitos” que parecem prevalecer sobre qualquer atitude de revolta. Vivemos na era da livre circulação em que as fronteiras físicas parecem desmoronar-se para dar lugar a limites psicológicos e a novas formas de discriminação, enquanto outras se mantêm intactas como superstições que ninguém se atreve a questionar. O que é um rótulo senão uma forma de limitação, numa sociedade consumista que parece precisar cada vez mais de encontrar um padrão, um limite de acção com as suas fronteiras e regras bem definidas? Somos todas diferentes mas todas rotuladas e legendadas: mulheres.

Stand-by (Boxed Attitudes), 2006
60 telas de 30x30 cm empilhadas
tinta fluorescente s/ tela

Rotuladas e Legendadas, 2006
acrílico e tinta fluorescente s/ tela (dimensões variáveis)

Stand-by (Por Baixo da Escada), 2006
Instalação

Kinga Ogórek - Narrativas

2006-04-03T17:01:00.000Z

CV
Kinga Ogórek nasceu em 1979, vive e trabalha entre Cracóvia e Porto. Fez mestrado em Belas Artes-Escultura pela Academia de Belas Artes de Wroclaw. Participa desde 2000 em diversas exposições: Contemporary Art Gallery (Zakopane, 2001); After plein-air (Gallery of Academy Fine Arts, Warsaw 2002); After Graduate (Contemporary Art Galery, Wroclaw, 2005). Partipou em diversos “Open Airs”: Handesleben (Germany, 2001); Open air (Kudowa Zdroj, 2002); Sculptor´s open air em pedra (Center of Polish Sculpture, Oronsko, 2003); Polish - German open air - cerâmica, pedra e madeira (Center of Polish Sculpture, Oronsko, 2003); Sculptor´s open air em cerâmica, Madeira (Tarnogrod, 2004); Sculptor´s open air em pedra (Pinczow, 2005).

Sinopse
O Teasack Work, é produzido através de uma técnica que permite a ligação dos elementos - a máquina de cozer. Milhares de sacos de chá usados foram cozidos segundo um sistema mimético. Neste mimetismo a organização da palete de cores dos elementos - papel de chá usado - é cuidadosamente disposta no sentido da procura da forma escultórica plástica previamente idealizada. Questões de fragilidade, sensualidade, feminilidade, translucidez, odor estão presentes neste trabalho. O Teasack Work traduz-se numa frágil pele de memórias e prazer.

Teasack Work, 2005
Técnica mista , papel de sacos de chá usados
400x200x50 cm
2005

Catarina Saraiva - Narrativas

2006-04-03T15:52:00.000Z

CV
Catarina Saraiva nasceu em Lisboa, em 1973. Vive e trabalha em Lisboa. Licenciada em Pintura pela Faculdade de Belas Artes Universidade de Lisboa. Curso Estilismo Industrial, CIVEC – Lisboa. Últimas Exposições Individuais: 2006 – Tänzerin, Voyeur Project View, Lisboa; Agnosia, Galeria Forma de Arte, Estoril; 2004 – Módulo – Centro Difusor de Arte, Porto; Módulo – Centro Difusor de Arte, Lisboa. Últimas Exposições Colectivas: 2006 – The Act of Apparition, Plataforma Revólver, Lisboa; 2005 - Nine Solitarie Positions, Mam Mário Mauroner Contemporary Art, Viena, Áustria; Arte Lisboa (Módulo), F.I.L, Lisboa; XXX – 1975 / 2005, Módulo Centro Difusor de Arte, Lisboa; Propostas no papel, Módulo – Centro Difusor de Arte, Porto; 2004 – Criar um lugar, intervenção pública de arte contemporânea (Com. Fátima Lambert), Porto; Mujeres de España y Portugal, Galeria Fernando Serrano, Huelva, Espanha; 2003 - VV2 Vivere Venezia – Recycling the Future (Com. Ângela, Vetesse, Francesco Bonami e Marco de Michelis), 50ª Bienal de Veneza (cat).

Sinopse
Peça constituída por vinte e três unidades. Cada unidade consiste numa moldura de 25x15x10 cm em gesso com interior trabalhado a cetim preto. Tainted Love - insere-se num conjunto de trabalho que tenho vindo a desenvolver em torno da questão dos limites do corpo e da sua percepção. O tema vanitas e o elemento espelho são o ponto de partida para este núcleo, que teve o seu início na série Agnosia (uma perturbação da percepção que leva o paciente a ver e sentir os objectos sem os identificar na sua função). O espelho mantém a sua aparência mas a sua superfície em lugar de reflectir devolve um outro corpo.

Tainted Love, 2006
moldura de gesso / tecido
200x150x10 cm (painel)

Ana Rito - Narrativas

2006-04-03T15:37:00.000Z

CV
Ana Rito nasceu em 1978. Vive e trabalha em Lisboa. Estudou Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa (2004). Frequentou o Curso de Desenho, Sociedade Nacional de Belas Artes (Lisboa, 1997); o Curso de Artes Visuais, António Arroio, (Lisboa, 1997) e o 1º Curso Livre de História da Arte na Universidade Nova (1996). Em 2003 fez uma Residência artística na IUAV – Facoltà di design e arti, Veneza, Itália. Esta é a quarta exposição no presente ano de 2006 em que Ana Rito irá participar. Tem já agendado uma próxima individual no Círculo de Artes Plásticas de Coimbra (CAPC), e uma exposição colectiva na MAM – Galerie, Áustria, na cidade de Salzburgo.

Sinopse
«Trabalhando um sentido de identidade que se transmuta, procurando escapar às contingências de classificação tipicamente avançadas, a artista concebe uma ideia nuclear dessa mesma identidade como um todo, que, necessariamente, é transversal à forma como nos vemos a nós próprios, como vemos os outros. De facto, entre a esperança e a ameaça, o humor e o silêncio, Ana Rito produz séries de trabalhos que se desenvolvem em torno da “pura teatralidade” (Carlos Vidal) que supera tentativas de leitura redutoras, baseadas em princípios simplistas de feminismos, religiosidades ou questões de género.»

L’Absence, 2006
Candeeiro reaproveitado e intervencionado com tecidos, fitas de cetim e pérolas.
250x100x100 cm

Soraya Vasconcelos - Narrativas

2006-04-03T15:10:00.000Z

CV
Soraya Vasconcelos nasceu em 1977. Vive e trabalha em Lisboa. Estudou Pintura na Faculdade de Belas Artes de Lisboa. Tem o Curso Técnico de Fotografia Comercial – ETIC. Frequentou vários cursos: Pós-graduação Implementação da Tecnologia Digital na Prática da Fotografia - Universidade Autónoma de Barcelona; Curso de Fotografia. Programa Gulbenkian Criatividade e Criação Artística. Participa em várias exposições colectivas e individuais desde 2000: Capuchinho Remisturado (SOPRO – Projecto de Arte Contemporânea, Lisboa, 2005); Livre Arbítrio (Galeria Parthenon, Lisboa, 2003); Apresentação final dos trabalhos dos alunos participantes no curso de fotografia, Programa Criatividade e Criação Artística (Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, 2006); IV Prémio Citydesk (Centro Cultural de Cascais, 2004); Heteronomias (Maus Hábitos. Porto, 2003).

Sinopse

Vendetta- Italian, from Latin vindicta, revenge.
A feud between two families or clans that arises out of a slaying and is perpetuated by retaliatory acts of revenge; a blood feud.

Uma mulher (o capuchinho vermelho), vestida com Pele de Lobo (um vestido inspirado nos modelos anos 50 de Christian Dior, em seda e pelo sintético), é surpreendida por um visitante invisível, que se deduz ser o lobo (ou um lobo) ao qual ela roubou a pele para confeccionar o seu fato. A sua atitude, inicialmente segura, passa por vários estados: surpresa, inquiridora, esquiva, preocupada, coquette e finalmente, conquistada pelo medo.

Vendetta, 2005
Lambda Print
22 x 220 cm (ed. 3)

Flávia Vieira - Narrativas

2006-04-03T14:31:00.000Z

CV
Flávia Vieira nasceu em 1983. Frequenta o 5º ano de Pintura na Faculdade de Belas-Artes da Universidade do Porto. Participou na 5ª Bienal de Artes Plásticas da Marinha Grande (2004); Vidro Contemporâneo (Marinha Grande, 2006) e fez uma Exposição individual no Espaço Contagiarte, Porto, 2005. Realizou trabalho de ilustração na revista Mealibra (nº.16) (2005).

Ouve-te, 2005
Instalação com Panos de Cozinha, Lenços de Homem
impressão serigráfica sobre tecido, linha de bordar
dimensões variáveis

Ana Pérez-Quiroga - Narrativas

2006-04-02T21:27:00.000Z

CV
Ana Pérez-Quiroga nasceu em Coimbra em 1960. Vive e trabalha em Lisboa. Licenciatura em Escultura, Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa e Frequência do Mestrado em Artes Visuais – Intermédia na Universidade de Évora. Exposições individuais: (2005) Quem tem telhados de vidro não atira pedras, Plataforma Revólver, Lisboa; Antes Morta Que Burra, Casa d’Os Dias da Água, Lisboa; Vedute, Álvaro Roquette, Lisboa; Image Tanger, Salão Olímpico, Porto; Image Tanger, Villa Leon L’africaine, Tanger, Marrocos. (2004) Natureza Morta: Caixas, Barros, Flores e Auto-Retrato, sala 1, Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa. (2003) E, Casa d’Os Dias da Água, Lisboa, 2002 Diz que me amas, Galeria Filomena Soares, Lisboa. (1999) Breviário do Quotidiano #2, Loja do Museu do Chiado - Museu Nacional de Arte Contemporânea, Lisboa. Exposições colectivas (selecção): (2005) Radicais Librés, Santiago de Compostela, Espanha; (2004) 1980- 2004 Actualidade Artística nas Colecções do Museu do Chiado, Museu Francisco Tavares Proença Junior, Castelo Branco. Curator: Emília Tavares; (2003) Bienal da Maia 2003 Continuare - trabalhos da colecção IAC / CCB, mais doze, Maia. Curator: Jürgen Bock; (2002) Comer o no Comer, CASA - Centro de Arte de Salamanca, Salamanca. Curator: Darío Corbeira; Círculo F, CAPC, Coimbra; Under surveillance / Sob vigilância, Museu da Fábrica da Pólvora, Barcarena. Curator: Nuno Alexandre Ferreira; Disseminações, Culturgest, Caixa Geral de Depósitos, Lisboa. Curator: Pedro Lapa; (2000) Bolseiros e Finalistas AR.CO 2000, Fábrica Nacional de Cordoaria, Lisboa. Curator: Manuel Castro Caldas; Olhar da Contemporaneidade, Festas da Cidade, Palácio Pancas Palhas, Lisboa. Curator: Elídio Pinho; (1999) Quartos, Chambres, Zimmers, Rooms — águas correntes no convento de S.Francisco — Exposição de Finalistas de Escultura, FBAUL, Lisboa.

Sinopse
«Conferência dos Pássaros

(…)
Abriram-lhes a porta. Abriram-lhes ainda cem cortinas. A mais viva luz brilhou.
Contemplaram finalmente o Simorg, e viram que o Simorg era eles mesmos -
- e que eles mesmos eram o Simorg.
Quando eles olhavam o Simorg, eles viam que era bem o Simorg.
E se eles retornavam o olhar sobre si mesmos,
eles viam que eles próprios eram o Simorg.
Eles não formavam na realidade senão um único ser.
Nunca ninguém no mundo tinha ouvido nada semelhante.
Os pássaros imobilizaram - se lentamente na presença do Simorg -
- deles próprios.
Sem compreenderem nada, eles questionaram o Simorg,
não se serviram da língua.
Perguntaram-lhe qual era o grande segredo.
Então o Simorg disse-lhes, sem ter utilizardo tão pouco a língua:
"o sol da minha majestade é um espelho.
Aquele que se vê nesse espelho, aí vê a sua alma e o seu corpo.
Vê-se nele por inteiro. Fossem vocês trinta ou quarenta,
vocês veriam trinta ou quarenta pássaros nesse espelho".
Então os pássaros perderam-se para sempre no Simorg.
A sombra confundiu-se com o sol, e pronto.
O caminho fica aberto, mas já não há nem guia, nem caminhante.

Poema sufi persa do século XII
de Farid Ud-Din Attar

Attar viveu no séc. XII na Pérsia, em Neshapur, a cidade de um outro poeta célebre, Omar Khayyam. Herdou do pai um comércio de perfumes e nessa loja onde passou grande parte da sua vida, escreveu quase toda a sua obra.
Este poema, longo de quatro mil seiscentos e quarenta e sete versos tem por tema o pássaro que se liberta das armadilhas e peso do mundo para voltar para o seu verdadeiro rei. Trata-se de uma verdadeira viagem pois a alegoria nunca apaga a precisão terrestre das personagens nem dos objectos. Mas é também uma travessia das aparências, uma viagem iniciática ao encontro de nós mesmos. É um “Mistério”, como os que se celebravam em Elêusis ou no Egipto.
No fim da sua obra, muito consciente do seu génio, Attar escreveu “Aquele que não sentiu o perfume do meu discurso não teve o mínimo acesso no caminho dos amantes”. »

A conferência dos pássaros, 2006
técnica mista
dimensões variáveis

Dora Moura - Narrativas

2006-03-22T00:31:00.000Z

CV
Dora Moura nasceu em 1982. Vive e trabalha na Maia. Estudou Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e na École National Supérieur de Beaux-Arts em Paris. Expõe regularmente desde meados de 2000. Participou em diversas exposições colectivas com destaque para “Projet ArtSkoolgozSouth” (Galerie Artecore, Paris, 2006); “Mnémonique” (Galerie Crous, Paris, 2005) e “BlueScreen” (Galeria do Palácio, Porto, 2005).

Sinopse
«O projecto que aqui apresento tem como base o conceito de Memória – que tem acompanhado os meus últimos trabalhos. Aqui, já não se trata de uma memória que o tempo regista sobre o espaço mas, antes, da que ele regista sobre um outro tipo de paisagem, a da mulher. Neste trabalho, onde a memória se metamorfoseia em narrativa, pretendi “tecer” uma imagem intemporal – mas muito pessoal – de mulher. Para isso utilizei diversos e diferentes registos de e sobre mulheres (desde livros sobre a revolução feminina, sobre a maternidade, sobre a sua sensibilidade até notícias de jornais, revistas pornográficas e contos eróticos). Aquilo que pretendo não é, de todo, generalizar o conceito (tão extenso) de mulher mas, antes pelo contrário, mostrar uma forma (entre tantas outras) de se abordar este tema sem ser parcial e preconceituosa, misturando vários aspectos da Mulher; a beleza, a inteligência, a maternidade, a sensualidade, o carisma, a sexualidade, a independência…etc. Deste modo, o projecto que aqui apresento, formado por dois conjuntos de sobreposições de telas (de diferentes dimensões), faz alusão a uma enorme renda cujas linhas tecidas fazem referência a vários aspectos do mundo feminino. Aquilo que pretendo é criar um efeito ilusório onde esta teia de informações se transforma em renda – quando estamos distantes dela – e – quando nos aproximamos – se re-transforma em trama de informações, de letras, de registos, de cores, de corpos, de texturas… fazendo com que aquilo que é geral – a mulher – se torne particular a cada passo dado na sua direcção.»

S/ Título, 2006
Técnica mista sobre tela
Dimensões variáveis

Carla Cruz - Narrativas

2006-03-22T00:25:00.000Z

CV
Carla Cruz nasceu em 1977. Vive e trabalha no Porto. Estudou Escultura na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto (2001). Fez o Mestrado em Belas Artes pelo Piet Zwart Institute, Willem de Kooning, Roterdão, Países Baixos (2003). É membro do colectivo Ateliers Mentol. Das suas exposições destacam-se A Carla Cruz é uma Mad Woman (Mad woman in the attic, Porto, 2006); Iam an artist! What can I do for you? (City Scapes, ARCO-Madrid, 2006); All My Independent Women, instalação (Galeria SMS, Guimarães 2005); BLOOD 4 OIL, estórias do petróleo (Salão Olímpico, Porto, 2004) e Performance Ser artista em Portugal é um acto de fé, (Ponte D. Luís, Porto, 2003).

Could you do for me with your hands?
Diaporama

Sinopse
«"Could you do for me with your hands...?" É uma pesquisa visual acerca da representação feminina, para o qual foi feito um inquérito nas ruas de Roterdão, ao qual varias pessoas responderam fazendo através dum gesto, uma representação da vagina. Estes gestos foram depois desenhados, impressos sobre papel autocolante e colocados em casas-de-banho (e apenas em casa de banho) públicas em várias cidades europeias ao longo de 2 anos. Ao faze-lo eles voltaram a ser públicos e ao mesmo tempo experienciados duma forma intima.»

Ana Guedes - Narrativas

2006-03-22T00:10:00.000Z

CV
Ana Guedes nasceu em 1981. Vive e trabalha no Porto. Estudou Escultura na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto (2004). Frequenta o Mestrado em Artes Visuais - Intermedia na Universidade de Évora. Das suas exposições destaca-se “BlueScreen” (Galeria do Palácio, Porto, 2005).

Sinopse «O meu coração partiu-se de desilusão. Tento remendá-lo. Volta repetidamente a partir-se. Volto repetidamente a remendá-lo. Alguns corações são dados a remendar, na esperança sempre renovada de que talvez, desta vez, ele não se volte a partir. Num processo partilhado, que pretende voltar a juntar os pedaços e minorar as sucessivas investidas de todo o tipo de desilusões. Uma colecção em permanente complexificação, reflexo inequívoco de um processo indissociavelmente ontológico. A colecção mora no meu armário, o meu refúgio privado, um lugar ao processo compulsivo de remendo.»

My broken heart collection, 2005-2006
Instalação
130x165x110 cm

Susana Pires - Narrativas

2006-03-18T17:04:00.000Z

CV
Susana Pires nasceu em 1980. Vive e trabalha entre Montemor-o-Novo e Lisboa. Estudou Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Participou em várias exposições: Anteciparte 2005 (Estufa-Fria, Lisboa, 2005); XIII Bienal Internacional de Arte de Vila Nova de Cerveira; VIII Bienal de Artes Plásticas da Cidade do Montijo; Festival Transforme Zone, (Alverca); Finalistas de Pintura da F.B.A.U.L., (Galeria da Mitra, Lisboa, 2005); Mostra Nacional de Jovens Criadores ’03 (Silves, 2004); Exposição Colectiva “ Utopia 9” – Tapeçaria Contemporânea. (Sala da Nora, Castelo Branco, 2003)

Sobre-Pele-Rosa, 2006
160x85x65 cm
Técnica mista (arame, esponja, malha polar, poliamida, croché e madeira)

Sinopse
«Esta peça surge na sequência de um conjunto de trabalhos aos quais chamei “abraçatórios”. Na tentativa de reconhecer no meu trabalho uma abordagem feminina, e não feminista, encontro o facto de ser mulher e de todo o meu trabalho se debruçar sobre o campo afectivo. No meu trabalho pretendo revelar o corpo como um local de sensações, a partir desta ideia crio formas/invólucros que são um convite permanente ao espectador para que este lhes dê vida. Para a concepção desta peça parti de duas ideias paralelas: a do feminino como lugar de aconchego e carência e o “peso” de vestir o papel de ser mulher. Assim, nesta peça, a zona superior é feita a partir de um quase novelo de sugestão de braços, onde uma série de formas se sobrepõem envolvendo o corpo ou a ausência deste. Protector, maternal, é sujeito afectivo, o local de encontro, o colo, o abraço, o aconchego. Deste local/forma pende outra sequência de formas (verticais), uma espécie de manto pluriforme feito a partir de redes de croché e tecidos elásticos com esferas de peso que acentuam o efeito da gravidade. Sobre-Pele-Rosa é um colete, um manto de pesos (de ser mãe, de ser filha, o peso de uma mulher que se auto-constrói e procura a sua identidade). Vestir o papel de ser mulher é vestir o peso de um corpo socialmente sexualizado. Cromaticamente, escolhi o vermelho e o roxo que entendo como cores femininas por excelência.»

Raquel Gomes - Narrativas

2006-03-18T16:45:00.000Z

CV
Raquel Gomes nasceu em Aveiro em 1977. Vive e trabalha em Aveiro. Licenciou-se em Belas Artes – Escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Expõe regularmente desde 2001, destacando-se, entre outras: “Intimidades e Outras Ausências” (Individual – Galeria Minimal, Porto, 2003); “Áurea Rotina” (Individual, Galeria Minimal, Porto, Porto, 2005); Feira de Arte Contemporânea de Lisboa (2003; 2004; 2005); “Opções e Futuros” – aquisições recentes da Fundação PLMJ (Lisboa, 2006).

Sinopse
«“... fazer sobressair as características dos materiais, fazer respirar o suporte, dar vida simultaneamente ao pictórico e ao material em si, conservar a natureza do mesmo e expressar o gosto graças a ele.” Gao XingjianTestemunhos do tempo, do espaço e do corpo, os pequenos objectos do quotidiano que fazem a história dos dias e dos momentos insinuam uma intimidade revelada; através da ausência, o corpo está presente como marca vivencial de uma particular memória. A história das coisas enquanto história pessoal transcende a própria forma, cor ou função, conferindo-lhe a perenidade de uma essência única.»

Pequenas Coisas, 2006
Instalação com 18 desenhos
Tinta-da-china e fio de algodão sobre tecido
21x27 cm (cada)

As minhas escolhas - ARCO 2006

2006-02-14T20:29:00.000Z

Álvaro Lapa

2006-02-14T19:32:00.000Z

duas palavra, mil imagens silenciadas...

Álvaro Lapa - Amnesias, 1968, 94x85.5

Álvaro Lapa - Que horas são que horas (mapa de um inadaptado), 1974, 60x80, acrílico s platex.

Rui Chafes no Jardim da Sereia em Coimbra

2006-01-26T20:21:00.000Z

Novalis - “Todas as forças da Natureza são Uma força, apenas.”

No Jardim romântico da Sereia em Coimbra podem ser vistas sete esculturas de exterior de Rui Chafes, um dos mais reconhecidos escultores portugueses da actualidade. A escolha deste local não foi ocasional. Desde 2000 que em alguns dos seus projectos, Chafes abandonou o espaço restritivo da Galeria/Museu. Projectos como Durante o fim, realizado no Parque do Palácio da Pena, ou Um Sopro, de 2003, executado nas falésias e praias da Costa Atlântica de Sintra, são alguns exemplos. Excepção, pela dimensão monumental que assumiu, foi a peça Comer o Coração que, em parceria com a coreógrafa e bailarina Vera Mantero, constituiu a representação Portuguesa na 26ª Bienal de Artes de São Paulo, em 2004. Apesar da monumentalidade da peça, esta podia ser vista no interior da Sede da Fundação Bienal de São Paulo, tal como viria a aconteceu depois com a reencenação da performance no CCB (Lisboa) em 2005.
Na verdade, a libertação que o exterior consente, no momento de inserir a peça na paisagem, permite a Chafes não só questionar e pensar essa inserção em termos de harmonia com o contexto, apesar das linhas de tensão criadas pela força que transcende dos materiais férreos usados, mas também o aproxima do ideário romântico que desde sempre esteve presente na sua produção escultórica.
As noções de tensão, grandeza, de encenação dramática e teatral, de densidade conceptual, de transcendência, aqui sublinhada pela verticalidade ascensional dos objectos suspensos e uma noção de presença sublime, são conceitos próprios do universo romântico e estão presentes nos objectos do Jardim da Sereia. Estas, mais do que esculturas individuais ou monumentos consagratórios, devem ser considerados numa perspectiva de instalação e a sua leitura deve ser conjunta, já que é possível traçar um percurso de visionamento e aproximação às peças, e estas apenas ganham sentido no seu todo.
Uma observação atenta do conjunto da instalação realça a importância plástica da linha que se assume por vezes subtilmente, noutras impõe-se, como acontece nas duas enormes alianças que abraçam linearmente os troncos das árvores ou na parede poligonal de ferro que duplica o muro de delimitação do espaço ajardinado do Campo de Santa Cruz.
A mesma força gravitacional que prende as enormes formas circulares à terra é contrariada, nas três peças suspensas e estrategicamente colocadas entre a folhagem das árvores centenárias. Esta sugestão de leveza, que acentua o carácter transcendental das peças é obstada pelo material das mesmas. Numa tensão similar, opõem-se no mesmo campo formas organicistas e uma rigorosa geometrização formal.
Por fim, uma estratégia de duplicação formal poderá ser encarada como um modo de interpretação/leitura mimetizada da natureza, os círculos reproduzindo as copas; os cilindros suspensos, os troncos das árvores ou os habitáculos artificiais para pássaros pendentes e dispersos pelo jardim.

Caos Visual. Instalação de Francisco Vidal.

2006-01-22T18:33:00.000Z

Terminou no passado fim-de-semana a exposição do Prémio EDP Novos Artistas no Pavilhão Centro de Portugal em Coimbra.HÀ algumas semanas atrás, escrevi sobre o artista vencedor, João Leonardo. Mas não queria deixar passar esta oportunidade sem referir um outro projecto que esteve patente no mesmo prémio e que, pelas suas características, merece aqui ser analisado. Refiro-me à Instalação/mural de Francisco Vidal.

Francisco Vidal - Pavilhão Centro de Portugal - Prémio EDP Novos Artistas, 2005.

Quem teve oportunidade de ver o processo de criação desta instalação que foi concebida pelo autor para ocupar o espaço e durar no tempo da exposição, usufruiu de um contacto directo com o artista e com o processo de execução e desenvolvimento do projecto. A instalação, uma espécie de caixa-palco, apresentava uma cenografia que foi especialmente concebida para a exposição. No entanto, a génese deste projecto podemos encontrá-la em trabalhos anteriores.

A fanzine, Segredos em Língua Materna [1], apresentada na Galeria Zé dos Bois em 2003 é um bom exemplo.

Francisco Vidal - Segredos em Língua Materna, desenho em fanzine apresentada na Galeria ZDB, 2003.

Diários Gráficos de Francisco Vidal

A noção de diário gráfico abandona, no projecto do PCP, a dimensão da fanzine, agigantando-se e projectando-se sobre o chão e parede. No livro “The Poetics of Space”, Bachelard fala do poder metafórico que representa a inserção do indivíduo no espaço e como os artistas usam o espaço como linguagem.

Sem dúvida, que para Vidal, a passagem do plano bidimensional ao tridimensional, da fanzine para o espaço da galeria, representou uma intenção de ir mais fundo na sua reflexão e na sua relação directa com o observador.

Francisco Vidal - Projecto para mural, diário gráfico, 2005.

Quando perguntei ao artista a origem deste seu projecto, Francisco Vidal respondeu que «Em Coimbra aconteceu o fim de um desenho que comecei no segundo semestre de 2005, e que começou com as exposições colectivas em que participei. O trabalho que desenvolvi neste semestre deixou de estar tão colado ao registo diário (no meu simples diário gráfico) e passou a ser uma projecção deste nas paredes dos locais onde me exponho. Nas intervenções em que me senti mais feliz, o diário obrigou à existência de explosões (de tinta). Em situações menos felizes, poesia e flores ajudam-me a não frustrar a composição».

Com uma dimensão de cerca de 7m3 deparávamo-nos com um caos visual senão mesmo com uma composições caóticas onde o artista misturou múltiplos elementos e referentes visuais, desde tintas jorradas, pingadas e escorridas sobre cartões que forravam toda a área de intervenção, a baldes e outros recipientes, a papeis de origens várias, à reprodução em grandes dimensões do “Fado” de José Malhoa colado grosseiramente no chão, etc.

A variedade e quantidade de elementos visuais oferecidos é de tal ordem que as primeiras palavras que surgem na mente do observador são a de caos, excesso, ausência de vazio, etc. Esta intenção é comum a uma série de artistas contemporâneos nacionais e internacionais. Bastaria citar Carlos Bunga, o vencedor do Prémio EDP Novos Artistas em 2003, actualmente em exposição na Culturgest do Porto, Tomoko Takahashi, Artur Barrio, a “Anschool II” de Thomas Hirschhorn (que pode neste momento ser visto no Museu de Arte Contemporânea de Serralves) ou Jason Rhoades, cujas instalações se revestem desta metodologia “pastiche”.

Carlos Bunga na Elba Benítez Galería

Tomoko Takahashi - Drawing Room installation 1998.

Artur Barrio - Ruído, 2001.

Thomas Hirschhorn - Altar to Raymond Carver. Vivre sa vie, Glasgow 2002.

Jason Rhoades - Creation Myth 1998.

Subjacente à instalação de Vidal, e apesar do seu carácter aparentemente não linear, está uma atitude de nivelamento dos elementos simbólicos. A referência a Malhoa, a figuração “basquiatiana”, que a acumulação e repetição de diferentes formas, dizeres poéticos e símbolos, encerra, a negação de hierarquias simbólicas e espaciais, não são com certeza fruto do acaso. José Bragança de Miranda, num ensaio sobre a cultura hip-hop, faz referência à enorme “capacidade de recombinação”, “hibridização e mistura que caracteriza a cultura contemporânea” naquilo que ela poderá representar de condição pós-moderna. Como exemplo dessa hibridez aponta o nome de Basquiat em oposição ao de Andy Wahrol e consequentemente à cultura pop. Escreve: «O primeiro interrogava a vida, enquanto que Basquiat se enredava nas artes da vida. Para o primeiro os media eram o espaço, para Basquiat era a própria cidade»[2].

Francisco Vidal ao “expor-se”, enreda-se também nas artes da vida, envolvendo-se crítica, poética, social e politicamente numa fusão que constitui o seu olhar e que pretende criar um espaço concreto de reflexão para si e para os outros.

[1] Ver: http://www.artafrica.gulbenkian.pt/html/expovirtual/expovirtual.php?ide=2
[2] Ver: http://pwp.netcabo.pt/jbmiranda/jbm_hip.htm

"Dada" no Centro George Pompidou em Paris

2006-01-12T13:09:00.000Z

"Dada foi um dos movimentos artísticos internacionais mais marcantes do início do século XX. Nascido em Zurique, em pleno conflito mundial, o movimento dada reuniu em 1916 criadores vindos de toda a Europa, revoltados contra os valores da época e determinados por um desejo unânime de mudança. Dada é testemunha de grandes mudanças na imprensa ilustrada , na rádio, no cinema. Atacando as formas da linguagem, os dadaístas foram críticos acesos da sociedade. Dada não tem um programa estético. Muitas vezes considerado como um movimento destruidor, Dada foi extremamente produtivo. Ready-made, performance, poesia sonora, colagens, são alguns dos processos utilizados pela constelação de artistas dada."

Cenografia da Exposição

Num percurso que propõe sem se impor um desenvolvimento cronológico, a cenografia da exposição Dada organiza-se sobre uma grelha que tende a abrir-se, deslocar-se até desaparecer completamente. O espaço da galeria (2200 m2) é constituído por cerca de 40 células com cerca de 30 m2, dedicados a um artista, um lugar, um tema ou um acontecimento marcante de Dada. A cenografia apoia-se nas linhas mestres de Dada: de um lado, um aparente caos reflecte a profusão criativa das centenas de artistas do movimento, de outro, o rigor metódico do movimento. A estrutura em grelha evoca claramente o jogo de xadrez e as suas estratégias, usadas por numerosos dadaístas. O visitante tem a oportunidade de escolher o seu percurso, seguindo as suas afinidades conforme vai fazendo as suas descobertas. Os espaços sucedem-se, sempre renovados na sua morfologia cenográfica, nos jogos de frente a frente entre a abundante produção escrita e as obras plásticas. Os percursos são pontuados por paredes-vitrinas. O espaço espartilhado converge para um espaço mais amplo no final da Galeria onde as enormes janelas do centro abrem para a cidade de paris e para a projecção do filme «Entr’acte» de René Claire.”

«Les Objects trouvés sont priés de tenir en laisse leur Avis»
Kurt Schwitters

«Ce que nos appelons dada est une bouffonnerie issue du néant et toutes les grandes questions y entrent en jeu ; un geste de gladiateur ; un jeu avec de misérables résidus ; une mise à mort de la mortalité et de l’aondance qui ne sont que postures»
Hugo Ball

«L’émotion indisciplinée entichit la conscience»
Clément Pansaers

«Dada lui ne sent rien, il n’est rien, rien, rien,
Il est comme vos espoirs : rien
Comme vos paradis : rien
Comme vos idoles : rien
Comme vos artistes : rien
Comme vos religion : rien…»
Francis Picabia

«DADA se charge de la police à pédales et de la morale en sourdibe.»»
Tristan Tzara

Selecção de Imagens

"Robert Malaval, kamikaze", Palais de Tokyo, 2005

2006-01-11T01:19:00.000Z

"Expor a obra de Malaval no Palais de Tokyo e na Bienal de Arte Contemporânea de Lyon revela uma escolha comprometida e de algum modo contra corrente face ao panorama actual da arte contemporânea, já que se trata de uma verdadeira tomada de posição para defender a obra de um artista capital e até hoje negligenciado – ou esquecido – pela história da arte dos últimos 25 anos. Criador duma verdadeira versão francesa da pop art, Robert Malaval é um dos raros artistas dos anos 60-70 a ter integrado a cultura rock no seu trabalho. A ficção científica, que sempre o fascinou, atravessa toda a sua obra, desde os primeiros "Aliments Blancs" de 1961 até aos "Pastels Vortex" de 1978. Herói undergrounsd, Robert Malaval foi ao mesmo tempo escritor não publicado, dandy pop, admirador e próximo dos Rolling Stones, Hippie num mundo visto a «rosa, branco e malva», pioneiro do glam rock, inventor de uma estética punk. Apaixonado pelo som, pairam em seu redor ruídos que acaba por utilizar nas suas exposições, alimentando a sua pintura. Agora que uma nova geração de artistas é profundamente influenciado pela cultura electrónica e pelos desenvolvimentos do rock, é essencial olhar de novo para a obra deste artista para demonstrar a sua actualidade."

O que se destaca nesta exposição é sobretudo a morfologia da montagem. As imagens que seleccionei ilustram em evidência a recusa de uma espaço de percepção "clean", característica que até ao muito pouco tempo constituía o ex-libris de qualquer montagem de exposição.

Curador Geral: Nicolas Bourriaud e Jérôme Sans
Curador da Exposição: Marc Sanchezassisté
A Exposição terminou no dia 8 Janeiro 2006.

Artur Barrio, "Réflexion…(s)…" no Palais de Tokyo em Paris

2006-01-11T01:09:00.000Z

Artur Barrio foi um dos primeiros a realizar gigantescas instalações com composições caóticas onde mistura múltiplos elementos.

Com atitudes semelhantes posso nomear Tomoko Takahashi ou Jason Rhoades.

Tomoko Takahashi - Learning How to Drive, 2000. Mixed media installation, dimensions variable © Courtesy the artist and Hales GalleryPhoto: Tate Photography/Mark Heathcote

Tomoko Takahashi -Untitled, 1997. Beaconsfield, London .

Jason Rhoades - Installation view of "Uno Momento/ the theater in my dick", 1996.

Jason Rhoades - Installation view of "My Brother/Brancuzi", 1997 .

Autur Barrio interessa-se pelas questões sociais e económicas e o seu trabalho reflecte sempre essas preocupações. Desde os anos 60 que Barrio desenvolve uma prática artística experimental em relação estreita com o movimento neo-concretista proposto por artistas como Lygia Clark, Helio Oiticica, etc.… Através de diversos projectos como a caminhada sem destino que realizou durante 4 dias e 4 noites sob o efeito de canabis («4 dias 4 noites», 1970) ou um livro feito de carne fresca («Livro de Carne», 1978/79), passando pelas diversas «Situações», Artur Barrio procurou sempre destabilizar e desregulamentar a natureza da arte, a sua função, a sua forma e materiais.

Artur Barrio - Livro de Carne, 1978-79.

O corpo como centro da produção artística.

Produzindo uma arte que faz do corpo o centro da sua produção artística, Barrio valoriza a experiência e não imagem ou o objecto. As intervenções urbanas, o interesse pela relação directa com a vida, a estética do caos, a utilização de materiais efémeros e precariedades elementares da vida quotidiana como o sal, papel higiénico ou sangue são alguns dos elementos usados por Artur Barrio para tecer una obra exemplar face às numerosas práticas artísticas actuais.

A Exposição de Artur Barrio no Palais de Tokyo

Um ambiente rico em estranheza e sensações múltiplas «Reflexion...(s)...» é uma instalação especialmente concebida para o espaço do Palais de Tokyo, que reactiva, sob a forma duma variação, uma série iniciada à alguns anos. Numa atmosfera onde reina a desordem e um intenso perfume a café e a pão, uma espaço aparentemente abandonado e com as paredes repletas de desenhos e frases que convidam à pura experimentação, à livre associação do ambiente. Como o título sugere «Reflexion...(s)...» convida o visitante a reflectir sobre a perda, a memória e a natureza polimorfa dos objectos. O trabalho de Artur Barrio cria através da experimentação de uma situação dada, uma polifonia de ideias e contextos.

Algumas Imagens...

Curador Geral: Nicolas Bourriaud et Jérôme Sans
Curador da exposição l'exposition: Akiko Miki,
Assistente: Martin Kiefer
A Exposição terminou no dia 8 de Janeiro 2006.

Ana Gama - Narciso ou a Estratégia do Vazio

2005-12-29T19:32:00.000Z

Narciso ou a Estratégia do Vazio

“Narciso ou a estratégia do Vazio” é o título da série de objectos-pintura desenvolvidos por Ana Gama, uma jovem artista de Coimbra, nos últimos dois anos. A artista participa actualmente na colectiva "Arquitectura e Paisagesm" patente na Galeria Sete (Coimbra) e foi vencedora do primeiro prémio de Pintura da Galeria Santa Clara (Coimbra) no passado mês de Novembro.

Ana Gama - Narciso ou a estratégia do Vazio

“Narciso ou a estratégia do Vazio” é também o título do III Capítulo da “Era do Vazio. Ensaio sobre o individualismo contemporâneo” do filósofo e sociólogo francês Gilles Lipovetsky. Parafraseando o autor, Narciso surge aos olhos de um relevante número de investigadores como símbolo dum presente que instaurou um novo estádio do individualismo. “O narcisismo designa então a emergência de um perfil inédito do indivíduo nas suas relações consigo próprio e com o seu corpo, com outrem, com o mundo e com o tempo, no momento em que o capitalismo autoritário dá a vez a um capitalismo hedonista e permissivo[1]”.O percurso traçado por Lipovetsky, nesta obra exemplar, não é nada mais do que o da autonomia do indivíduo pós-moderno em cisão com a tradição e com as suas estruturas reguladoras. A relação entre esta tese e os conceitos desenvolvidos por Ana Gama no seu projecto é óbvia. No meu texto sobre a exposição Arquitectura e Paisagem na Galeria Sete, reflectindo sobre os seus objectos, fiz alusão à criação de um espaço-outro proporcionado pelo jogo óptico dos espelhos existentes nas estruturas de alguns dos objectos. Este espaço-outro corresponde a um vazio, que ao contrário do vaticinado por Lipovetsky, onde predomina um sentimento desesperativo, o mesmo que é expresso por Paul Virilio, é gerador, iniciático, proporcionador de esperança construtiva e não de declínio, definhamento ou morte como acabou por suceder com Narciso.

Ana Gama - Narciso ou a estratégia do Vazio

A salientar essa positividade, o carácter sereno das formas, a ausência de arestas vivas, as formas elípticas, as linhas ascendentes e as tonalidades suaves. A este espaço-outro acede-se, como foi referido, numa atitude voyeurista, através de aberturas existentes nas zonas centrais das peças. Espécie de matrix, que se pode ou não vislumbrar.

Ana Gama - Narciso ou a estratégia do Vazio

Esta relação entre o espelho e o reflexo de quem o observa, entre a realidade palpável e a virtual - a que se deseja ver - remete o observador para o mito de Narciso, o mesmo que centrado em si mesmo, mergulha numa indiferença perante tudo e todos em virtude do excesso de estímulos criados pela sociedade. O resultado poderá ser o aniquilamento da personalidade em nome duma “imaglogia”[2], mas para Ana Gama o espelho, que também se revela na simetria das formas e na sua repetição geométrica surge como uma forma de abertura e não de enclausuramento dos processos de personalização e narcisismo. Esta é a proposta feita pela a artista para que se consiga sobreviver num mundo de aparências. Apaixonado pelo espelho Narciso procurou descobrir a sua própria imagem nos outros, auto-condenando-se à insatisfação perpétua. Dorian Gray é uma boa metáfora para o determinismo que encerra esta atitude.

Ana Gama - Narciso ou a estratégia do Vazio

De modo distinto, ao espectador que se revê nos espelhos de Ana Gama, resta uma postura não individualista mas multiplicadora, aberta e indiferente. Os objectos-pintura de Ana Gama materializam o desejo de contrariar criticamente essa tendência narcísica, mostrando-se enquanto estruturas abertas e não encerradas sobre si mesmas.

[1] LIPOVETSKY, Gilles – A Era do Vazio. Ensaio sobre o individualismo contemporâneo. Lisboa: Relógio D´Água, 1989, p. 48.
[2] Conceito criado por Milan Kundera. Pretende “significar a combinação numa palavra daquilo que têm tantos nomes: agências de publicidade, consultores de imagem para estadistas, desenhistas encarregados de projectar as formas dos carros e aparelhos de ginástica, modistas, cabeleireiros e estrelas do mundo do espectáculo, que ditam as normas de beleza física para aqueles que respeitam todos os ramos de `imagologia’.” In Insustentável Leveza do Ser. Lisboa: Dom Quixote. [1988].